ANTONIO PEDRO LOPES

DRIFTING/ EM DERIVA Lisboa- Procuram-se Participantes

2011-12-19T21:54:00.000-01:00

Data Limite: 3 de Janeiro de 2012

Convocatória: Procuram-se participantes

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DRIFTING / EM DERIVA em Lisboa

de António Pedro Lopes (Pt) e Gustavo Ciríaco (Br)

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O projecto DRIFTING / EM DERIVA em Lisboa de António Pedro Lopes e Gustavo Ciríaco procura 10 pessoas para integrarem um laboratório de criação que culminará em 4 apresentações a terem lugar no Negócio (Bairro Alto), nos dias 26, 27, 28 e 29 de Janeiro de 2012, sempre às 21h 30, em Lisboa.

Procuramos pessoas a partir dos 16 anos que vivam em Lisboa, com ou sem experiência de palco, interessadas em dança, performance e arte contextual.

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Condições de Participação

O projecto decorrerá durante todo o mês de Janeiro e estará dividido em quatro momentos, os participantes deverão ter disponibilidade para as datas de laboratório, ensaios e apresentações:

1.Encontro/experiências individuais com os artistas- 1 encontro a definir com cada participante entre 4 e 11 de Janeiro.

2.Duas semanas de laboratório de criação (3 horas por dia em horário pós laboral com todos os participantes, 2ªs,4ªs e 6ªa feiras no período de 9 a 20 de Janeiro

3.Ensaios dia 23, 24 e 25 de Janeiro das 19h às 22h.

4.Participação nos dias de apresentação – 26 a 29 de Janeiro, das 19h às 22:30

A participação no projecto tem como centro a experiência de um laboratório de criação. É portanto, um projecto baseado em troca de experiências e criação em conjunto. Ainda que se trate de um projecto que apela à participação voluntária, todos os participantes beneficiarão de um apoio simbólico de transporte e alimentação.
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Para as inscrições, por favor, envie um e-mail para: drifting.em.deriva@gmail.com contendo:

- dados pessoais (Nome, Morada, Telefone e Email)
- uma fotografia sua tirada em Lisboa (onde se perceba claramente o rosto e a localidade)
- uma curta biografia (sublinhando a experiência social, profissional e emocional com Lisboa)

+ infos: 917908484 ou 939023426

Data Limite de Inscrição : 3 de Janeiro de 2012

DRIFTING | Em Deriva é um projecto contextual que leva Ciríaco e Lopes a diferentes cidades para mapear os afectos que correm nesses lugares, através de vários tipos de encontro. Numa primeira instância, o encontro das suas histórias num contexto deslocado, depois o encontro com cada cidade como paisagem urbana, e finalmente o encontro com os seus habitantes, as personagens que encontram na deriva e que alimentam o processo criativo. Seguindo uma lógica episódica, cada cidade é um novo capítulo neste exercício viajante que cria pontes entre pessoas e lugares.

DRIFTING | Em Deriva -Lisboa é o 4º episódio numa série de incursões por cidades do mundo. Anteriormente, o projecto decorreu nas cidades do Rio de Janeiro, Taipei e São Paulo. Em cada uma dessas cidades, o projecto arriscou um formato diferente e provisório, tendo já resultado respectivamente numa performance, numa exposição e num espectáculo. O episódio lisboeta assume a forma de um laboratório de criação com apresentações, e propõe experiências de deriva pela cidade, passeios, efeitos de corrente, cadavre exquis, telefones estragados, estranhas coincidências, colecções de histórias, corpos-exposição, blind dates, discos, danças, casamentos, correntes de ar, apartamentos, pretos no branco, lugares de passagem e espaços de memória.

DRIFTING| Em Deriva – Lisboa é um projecto de António Pedro Lopes e Gustavo Ciríaco,co-criado e interpretado por 10 participantes do laboratório de criação. Este projecto é co-produzido e acolhido em residência pela Galeria Zé dos Bois (Negócio) e financiado pelo Programa de Apoio à Dança da Fundação Calouste Gulbenkian.

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Notas Biográficas

António Pedro Lopes nasceu em Ponta Delgada em 1981. É performer, autor de espectáculos. Depois de ter estudado teatro musical, licenciou-se em Teatro na Universidade de Évora e frequentou o Curso de Pesquisa e Criação Coreográfica do Fórum Dança. Trabalhou entre outros com Jérôme Bel, João Fiadeiro, Gustavo Ciríaco e Marco Berrettini/*MELK PROD. Cria espectáculos em nome próprio desde 2004. Em 2010, fundou em Lisboa a ONE LIFE STAND, estrutura onde desde então tem inscrito e desenvolvido vários projectos em colaboração com outros artistas: Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos em Casa (2010) com Monica Gillette; MEASURE IT IN INCHES (2011) com Marianne Baillot e Drifting/Em Deriva( a partir de 2010) com Gustavo Ciríaco. Os seus trabalhos foram apresentados em Portugal, Espanha, Alemanha, França, Brasil, Taiwan e México. É também elemento activo na implementação de S&T Collaborations (www.sweetandtender.org), canta, e ensina regularmente em teatros e programas de educação artística. Para saber mais sobre APL, por favor consulte: theantsandtherats.blogspot.com

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Gustavo Ciríaco nasceu no Rio de Janeiro. É performer e artista contextual com actuação nas artes performativas e visuais. Desde 95, apresenta-se, ensina e desenvolve parcerias com artistas brasileiros e estrangeiros no Brasil, América Latina, Ásia e Europa.Seus projectos são encontros centrados na produção de presença, na ficção compartilhada e na arquitectura imaginária.Actua no espaço urbano com projectos de caminhada, em parceria com Andrea Sonnberger: Aqui enquanto caminhamos (Alkantara, Lisboa 2006) e Vizinhos (Casa Encendida, Madrid 2009) ; em projectos conversacionais:Drifting (Casa França-Brasil, Rio; Bamboo Curtain Studio, Taipei; Desaba & Centro Cultural de São Paulo), em parceira com António Pedro Lopes; e em espetáculos de dança: Still – sob o estado das coisas (SESC São Paulo, 2007), Nada. Vamos Ver (SESC São Paulo e Culturgest, 2009) e Eles vão ver (Panorama, 2010). É director artístico do Manifesta!, Teatro Cacilda Becker, Rio de Janeiro e curador convidado do Entre_Lugares, programa de intercâmbio entre Londres e Rio de Janeiro, uma parceria do ENTRE (Sérgio Porto) e o Chelsea Theatre. Actualmente desenvolve o projeto Where the horizon moves (Maus Hábitos & Guimarães Capital Européia da Cultura) e é artista convidado do projeto Occupy Rio, parte da London 2012 Cultural Olympiad. Maiores detalhes, procure-o no gustavociriaco.blogspot.com

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Mais informação sobre o projecto: Drifting / Em Deriva

33º CITEMOR- Festival de Montemor-o-Velho

2011-08-06T15:33:00.003Z

Marianne Baillot e António Pedro Lopes em Espectáculo from CITEMOR on Vimeo.

+ info:
www.citemor.com
citemor.blogspot.com

AQUI:HERE:AGORA:NOW: CITEMOR

2011-08-03T23:54:00.001Z

		Qui 4 e Sex 5 Ago \| 22:30 \| Teatro Esther de Carvalho Marianne Baillot & António Pedro Lopes MEASURE IT IN INCHES co-produção, estreia

Um discurso de agradecimento. Uma cerimónia de gratidão suspensa no zénite de um cenário, onde a casualidade de agradecer um cigarro a um estranho encontra o evento estrelado dos Óscares e a euforia dos prémios desportivos. Recicla-se a condição de se estar grato por alguma coisa, We measure it in inches (medimo-lo em polegadas) e Fahrenheit. A gratidão é ritualizada, suspensa num recreio de magnificação onde tudo se tenta sempre «mais do que a vida», ainda que desesperadamente. E mesmo quando os discursos de agradecimento trazem consigo os ruídos estranhos da competição e da fama, preferimos acentuar o sentido extásico da celebração, porque esta cerimónia não pode ter fim. E questionamo-nos se podemos fazer um zoom infinito, ampliar uma e outra vez o momento depois do espectáculo em que os actores voltam ao palco para receber um enorme aplauso. Andy Warhol disse uma vez: «não prestes atenção ao que escrevem sobre ti, mede-o apenas em polegadas». O poder das palavras e das emoções é um poder maleável medido em visibilidade, aparência, reconhecimento e legitimação. Imagine-se agora, por momentos, inverter a régua e converter a medida da aparência na medida da presença. E concentrarmo-nos num OBRIGADO desmedido e suspenso, incapaz de sair de si próprio e de se completar. Rita Natálio http://theantsandtherats.blogspot.com Coreografia: António Pedro Lopes e Marianne Baillot Elenco: António Pedro Lopes e Marianne Baillot Luminotécnico: Severine Rième Cenógrafo: Severine Rième Dramaturgia e Som: Rita Natálio Apoio à Produção: Paula Oliveira e Cécile Pennetier Produção: ELSE (Region Centre, França) e One Life Stand (Lisboa, Portugal) Co- produção: Théatre de Vanves - Scéne Nationale de Danse, Maus Hábitos, O Espaço do Tempo, Citemor – Festival de Montemor-o-Velho e CCN Belfort Residências Artísticas: Maus Hábitos, CCN Belfort, O Espaço do Tempo, Théâtre de Vanves, Volapuk (Tours) Apoio à Residência: GDA - Direitos dos Artistas Apoio: Teatro Nacional São João e Companhia Erva Daninha Agradecimentos: Daniel Pires, Ana Carvalho, Hélder de Sousa, Mónica Rocha, Laurent Vinauger, Elizabete Leão, Júlio Alves, Gustavo Ciríaco, João Sofio e Filipe Conceição. A Associação Else é subsidiada pela RÉGION Centre, DRAC Centre e Adami. > entrada gratuita

SP

2011-05-03T14:53:00.002Z

Saír à rua com o sexo nos olhos
com o sexo em anexo
sentar-se em cadeiras altas
para controlar, ver, verificar
todos na rua. todos em frente. todos fora.
lá dentro. uma vistoria. cá fora brasileiro de um lado, chinês do outro.
ares condicionados chovem e anunciam tempestades.
o céu escultural é claro, é escuro, é negro, é sujo, é medo.
a merda vagueia no mar. o bebé flutua na água.
dos que comem gibóia e arrotam camarão.
dos que atravessa a paulista como um casamento. começar no paraíso e acabar na consolação.
ela corre e derruba o lixo, soca o lixo, bate-se com o lixo.
o lixo espalha-se. voa, acumula-se, nasce, desaparece, é levado nos nossos olhos, faz montanhad de números maiores que infinitos.
eles caem ou já se deitam caídos.
ela grita filha da puta arregaçada, cadela, te enfio o pau na goela.
eles escondem-se debaixo de cobertores castanhos, cartões castanhos.
eles não são mulatos, são castanhos. eles não ameaçam, eles deitam, eles deixam.
eles deixam os outros passar.
os outros passam num desfile.
os outros são estranhos na passagem.
os outros desfilam erros de amor.
os outros amam amar não sabendo, e por isso vão indo, vão andando.
os outros derivam os seus sexos vagueando de corpo inteiro.
os outros calam o entendimento e brincam de trocar de papel.
os outros falam-se e entendem-se.
os outros amam-se antes do verbo e reclamam experiência além do objecto.
o objecto dos outros é isto.
é isto aqui.
é isto aqui agora.
é isto aqui agora mesmo.
é isto aqui agora mesmo que os outros querem.
é isto aqui agora mesmo que os outros precisam de descongelar para ser reformado, lançado e deixado.
os outros vão traduzir os amores.
os amores estão aqui agora mesmo deixando marcas.
as felicidades dos outros nos deixam marcas, nos fazem sorrir e sentir profundamente traçados.
o traço é trabalho.
dá trabalho o amor.
é trabalho o amor.
o amor é traço.
o amor é trabalho.
o trabalho é uma carta de amor dos outros para eles.

dis(appearing) faces

2011-05-03T14:34:00.002Z

António Pedro Lopes/ ONE LIFE STAND Maio-May 2011 Newsletter*

2011-04-30T19:50:00.001Z

(PLEASE SCROLL DOWN FOR Information in English)

Olá a todos!

Depois de mês e meio de silêncio, a estreia de Measure it In Inches em Vanves, foi tempo para novos ensaios, encontros e projectos. Além dos ensaios de uma nova produção da *MELK PROD em Genebra, a estrear em Julho em Viena, agora os ensaios, conversas, encontros e experiências de DRIFTING/EM DERIVA em colaboração com Gustavo Ciríaco, em São Paulo. O menu traz as apresentações de DRIFTING/EM DERIVA, um workshop e outros três espectáculos entre São Paulo e Freiburg, Alemanha. Portugal é data de paragem a 3 de Junho na PT.11, em Montemor-o-Novo, no cardápio haverá MEASURE IT IN INCHES com Marianne Baillot, Rita Natálio e Severine Rième. Sobre isso e em antevisão, nada como visitar: www.pt-11.com .

Espero sempre encontrar-vos norte, sul, este ou oeste, faça sol ou faça chuva, num sonho ou num ponto de crise, em carne ou no facebook, aqui ou ali.

Espero que este email vos encontre bem.

Até breve,

António Pedro Lopes

PS: Vejam abaixo as datas e descrições das actividades em detalhe.

Dear all,

After a month and half of silence, the premiere of Measure it in Inches in Vanves, it was time for new rehearsals, meetings and projects. Besides the rehearsals of a new production with * Melk Prod in Geneva to premiere in July in Viena, now rehearsals, conversations, meetings and experiences with DRIFTING/EM DERIVA in collaboration with brazilian choreographer Gustavo Ciríaco, in São Paulo. The menu brings presentations of DRIFTING, a workshop and three other performances in São Paulo in Freiburg, Germany. Portugal is a stop on June 3rd in PT.11, in Montemor-o-Novo, in the menu there'll be MEASURE IT IN INCHES with Marianne Baillot, Rita NAtálio and Severine Rième. About this, nothing like visiting: www.pt-11.com

I hope to meet you north, south, west or east, be it sunny or rainy, in a dream or in a point of crisis, in presence or in facebook, here or there.

I hope this mail finds you well

I see you soon,

Antonio Pedro Lopes

PS: Please scroll down to the see the activities in detail.

Calendário Maio /May 2011

11 Maio- Passeio dos Erros/Boulevard of Mistakes, Gustavo Ciríaco & António Pedro Lopes, Centro Cultural de São Paulo, Brazil

12-15 Maio Drifting/Em Deriva, Gustavo Ciríaco & António Pedro Lopes, Centro Cultural de São Paulo, Brazil

18-19 Maio Eles Vão Ver/They Shall See, Gustavo Ciríaco, SESC Consolação, São Paulo, Brazil

20 Maio Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa/ Lights On Doesn't Mean We're Home, Monica Gillette & António Pedro Lopes, Freiburg Stadtheater, Alemanha/Germany

22 Maio Tout Court,Tommy Noonan, Freiburg Stadtheater, Alemanha/Germany

DRIFTING/EM DERIVA São Paulo (ESTREIA/PREMIERE)

António Pedro Lopes & Gustavo Ciríaco

50min, a partir de 12 anos - 12 a 15 de Maio, Quinta a domingo, às 20h

Free Entrance/Entrada gratuita

Semanas de Dança 2011

Espaço Cênico Ademar Guerra, Centro Cultural de São Paulo

DRIFTING/EM DERIVA é uma proposta de colaboração entre os artistas António Pedro Lopes e Gustavo Ciríaco. Este projeto contextual leva os artistas a diversos lugares (Rio de Janeiro, Taipei, São Paulo, Porto e Lisboa) para mapear os afectos que correm nessas cidades a partir de diferentes tipos de encontro. Seguindo uma lógica episódica, cada cidade é um novo capítulo nesse exercício viajante que cria pontes entre pessoas e lugares. Em São Paulo,depois de 3 semanas de encontros entre si, a cidade e os seus habitantes, os artistas convidam o público a participar, escrever, viver e fazer acontecer uma nova experiência de encontro.

DRIFTING/EM DERIVA is a project of collaboration between António Pedro Lopes and Gustavo Ciríaco. This contextual project takes the artists to different places (Rio, Taipei, São Paulo, Porto and Lisbon) to map the affects that stream in these cities through different kinds of meeting. Following an episodical logics, each city is a new chapter in this travelling exercise that creates bridges between people and places. In São Paulo, after 3 weeks of meetings among each other, the city and its inhabitants, the artists invite the audience to participate, write, live and make happen a new experiment of a meeting.

DRIFTING/EM DERIVA é um projecto de e com/A project by and with António Pedro Lopes & Gustavo Ciríaco | Produção Executiva/Executive Production: Marta Vieira | Em Colaboração com Diversos Intervenientes Locais/ In collaboration with local intervenients: Em definição/ To be announced

DRIFTING/EM DERIVA é possível graças à co - realização, produção, residência e apoio de/ is possible due to the co-realization, production, residency and support of One Life Stand (Lisboa), Bamboo Curtain Studio (Taipei), Casa França-Brasil (Rio de Janeiro), DESABA/ Estudio Como, Centro Cultural São Paulo e Semanas de Dança 2011 (São Paulo), Maus Hábitos (Porto), ZDB (Lisboa), Teatro Glaucio Gil (Rio de Janeiro) e Festival Atos de Fala (Rio de Janeiro e Londres).

Mediação com o Público / Audience Mediation

Passeio dos erros / Boulevard of Mistakes

Entre conversa e jogo, os artistas convidam os interessados a refazer o mapa da cidade de São Paulo. Entre mapeamento biográfico e urbano, os pontos de referência da cidade se misturam com os laços afetivos que nos conectam a esta geografia urbana em comum

Between talk and game, the artists invite the interested to remake the map of the city of são Paulo. Between urban and biographical mapping, the points of reference of the city mingle with the affective ties that connect us to this common urban geography.

11 Maio, Quarta Feira 17- 18:30 horas

11 May, Wednesday, 17- 18:30

Onde/ Where: Sala de Ensaio 1, Centro Cultural de São Paulo

Público/Audience: interessados em geral residentes em São Paulo, sem restrição de idade ou profissão (30 vagas). Open to everyone living in São Paulo (30 participants)

inscrições/registraton: de 5/4 a 3/5, preencher a ficha de inscrição/ fill out the registration form/ e enviar para/ and send it to: oficinadanca.ccsp@gmail.com -

As fichas de inscrição podem ser encontradas aqui/ Registration Forms can be found here: http://www.centrocultural.sp.gov.br/programacao_cursoseoficinas_danca.asp

+ info em/in:

www.centrocultural.sp.gov.br/

driftingemderiva.blogspot.com

Eles Vão Ver (estreado em/premiered in Novembro 2010)

de/by Gustavo Ciríaco

SESC Consolação 18/05, 19/05 quarta e quinta 21h

Sesc Consolação (Rua Dr. Vila Nova, 245, Vila Buarque, São Paulo).

Tel. (011) 3234-3000

Ava Gardner, por ocasião de uma filmagem nas selvas de Bornéu comentou com um técnico: Aqui é tão claro e ali tão escuro que parece que sou meio cega, meio águia. Vejo dois mundos que quase se tocam, como óleo escuro na água. (...) Somos seres estranhos. Sombras animadas. Levamos conosco o escuro do dia, a possibilidade da noite, do sonho.

Naquilo que é visível, há sempre algo mais visível e algo que, embora oculto, parece se revelar aos poucos, tal como líquido que escorre pelo chão e desenha, à medida que avança, os caminhos da nossa atenção. Nesse movimento o que acontece e é percebido depende da força de presente que um detalhe pode provocar. Um deslize, um transborde de sentido, de estado, de localização.

Demarcar deslocamentos, cruzamentos, agrupamentos, isolamentos para deixar arrebentar a costura dos sentidos. No carnaval das operações, a terra gira ao contrário e o chão na sua instabilidade vira céu sem pé nem fundo. O ali cria um aqui, e o eles inevitavelmente vira-se para nós, sorrindo em espelho brilhante e convidando a desvendar a construção do que é traçado.

Eles vão ver se situa em fronteiras, entre o que permanece e o que passa: a presença. Entre a ficção apresentada e o real construído: a cena. Entre a escuridão que apaga e a claridade que revela: um teatro.

They shall see

Ava Gardner, in a film set in the jungles of Borneo, commented with a technician: Here the light is so bright and over there it‘s so dark that I feel half blind, half an eagle. I see two worlds that barely touch each other, like dark oil in the water (...) We are strange beings. Animated shadows. We carry along with us the darkness of the day, the possibility of the night, of the dream.

In what we see, there’s always something more visible and something, though hidden, that seems to reveal itself little by little. Think of a liquid that runs on the floor and draws, as it advances, the paths of our attention. In this movement, what happens and what is perceived depends on the force of present that a detail can provoke. A slide, an overflow of sense, state and place.

Setting dislocations, crossings, groupings, isolations to burst the seam of the senses. In the carnival of operations, the earth turns upside down and the ground in its unstability becomes a sky with no bottom or end. There becomes here, and the they unavoidably turns to us, smiling on a shining mirror and offering an invitation to unveil the construction of the traces.

They shall see is set in borders, between what remains and what passes: the presence. Between presented fiction and constructed reality: the scene. Between an erasing darkness and a revealing clarity: a theater.

Concepção e direção | Conception and direction Gustavo Ciríaco Codireção | Codirection Lucía Russo Criação | Creation Dyonne Boy, Francini Barros, Gustavo Ciríaco, Ignacio Aldunate, Lucía Russo, Milena Codeço, Francini Barros Assistência e colaboração artística | Assitance and artistic collaboration António Pedro Lopes Música | Music Rodrigo Marçal Desenho de luz | Light design Andrea Capella Cenografia | Set design Mayra Alves (inicial) e Luiza Paes (final) Produção e administração | Production and management Marta Vieira Estagiário | Intern Lucas Bueno Fotografia | Photography João Milet Meirelles Parceria e apoio | Partnership and support Casa da Glória, Fomenta Produções, Escola Angel Vianna, Centro de Artes da Maré, UniverCidade, Uni-Rio, UFRJ Agradecimentos especiais | Special acknowledgement Francini Barros e António Pedro Lopes, João Braune e Casa da Glória, Maria Alice Poppe e Tato Taborda, Lenise e Daniel, Joelson Gusson, Isabel Martins Novo, Lia Rodrigues, Alysson Amaral e Gabi, Leonardo Nunes, Ângela Ferreira e Vítor Lemos, Juliana Polo e Andrea Chiesorin e aos alunos e professores da UniRio, da Escola Angel Vianna, do Centro de Artes da Maré, da Escola de Dança da UFRJ e da UniverCidade.
Essa pesquisa coreográfica foi desenvolvida com subsídio do Programa Rumos Itaú Cultural Dança 2009/10.
Este projeto foi contemplado com Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna 2009
This choreographic research was developed with funds from Programa Rumos Itaú Cultural Dança 2009/10.
This project was awarded by Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna 2009

+ info:

gustavociriaco.blogspot.com

http://www.sescsp.org.br/sesc/programa_new/?inslog=117

LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME |
LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTAMOS EM CASA (estreado/premiered in Évora, September 2010)

20 May, 20h
Kammerflimmern Festival
Kammberbuehne, Freiburg Stadtheater

Lights On Doesn't Mean We're Home is about a couple. A He and a She. Their relationship exists under a self-made microscope. It began with a pre-existing friendship and working relationship and then moved into calculated observation and re-invention. They tested each other, they caressed each other, they broke into fits of laughter.They fell in love and then went back to the past. The couple traveled together, slept together and went home to meet each other's mothers. It is still unclear whether this relationship is a constructive or destructive one. Their partnership took them beyond studio walls and into houses, several countries and an island. They used couples in cinema as their constantly changing roadmap and transformed into the archetypes, the icons, the offbeat, the lovers, the friends, the Bonnie and Clyde, the broken and reunited. They mapped their biographies, shared experiences and wrote a new history as a couple. Lights on Doesn't Mean We're Home is the arrival of their two stories and the creation of a fiction.

Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa é sobre um casal. Um ele e uma ela. A sua relação existe sob a lente de um microscópio auto- fabricado. Começou como relação de amizade e trabalho e depois moveu-se para uma observação calculada e reinvenção. Eles testaram-se um ao outro, acariciaram-se um ao outro e juntos explodiram em ataques de riso. Eles apaixonaram-se e depois regressaram aos seus passados. Estes dois viajaram juntos, dormiram juntos e voltaram a casa para conhecerem as mães um do outro. Ainda não é claro se esta relação é construtiva ou destrutiva. Esta parceria estendeu-se além do estúdio e manifestou-se em casas, vários países e uma ilha. Eles usaram casais no cinema como o seu sempre mutante mapa de caminho e transformaram-se em arquétipos, ícones, nos fora do padrão, nos amantes, nos amigos, nos Bonnie & Clyde,nas relações quebradas e nas reunidas. Eles mapearam as suas biografias e a sua experiência partilhada e escreveram uma nova história como casal. Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos em Casa é o encontro das suas duas histórias e a criação de uma ficção.

A performance by/ Um espectáculo de: Monica Gillette & António Pedro Lopes

Executive Production/ Produção Executiva: Joana Martins

Dramaturgical Support/ Acompanhamento Dramatúrgico: Rita Natálio

Light Design/Desenho de Luz: Alexandre Coelho

Costumes/Figurinos: Guilherme Garrido

Photography/Fotografia: Rodrigo Valero Puertas, Olga Belchior

Artistic Residencies/ Residências Artísticas:RE-AL, Balleteatro, Teatro Micaelense, Forum Prisma-Mexico, Devir/CAPA, La Caldera
Apoio Financeiro/Financial Support: Fundação Calouste Gulbenkian

Produzido por/Produced by: ONE LIFE STAND (Lisboa)

Co-produced by/Co- produzido por:Festival Escrita na Paisagem 2010 (Évora, Portugal), Teatro Micaelense (Ponta Delgada,

Azores)
Residency Support/Apoio à Residência: GDA- Direitos dos Artistas

Traveling support of/Apoio às Viagens: Instituto Camões

Many many thanks to/Muito muito obrigado a: Rita Almiro, Laura Lamas, Marta Vieira, Romana Moreira, Gianna & Conrad Smart, Ana Lúcia Cruz, National Theater of Mannheim, Tommy Noonan, Inês Mariana Moitas, João Fiadeiro, O Espaço do Tempo, Francisco Lopes, Diana Gillette, Primeiro Andar, Gustavo Ciríaco, Marine Budin, weyou, Carlos Melo e Rita Ferreira.

+ info here/aqui:

http://www.theater.freiburg.de/index/TheaterFreiburg/Monatsspielplan.html?SpId=35703

http://theantsandtherats.blogspot.com/search/label/LUZES%20LIGADAS%2FLIGHTS%20ON

http://vimeo.com/7630081

TOUT COURT (estreado/premiered in Freiburg November 2008)

20 May, 20h
Kammerflimmern Festival
Kammberbuehne, Freiburg Stadtheater

Seis figuras em jardineiras brancas, óculos a pender no nariz, cabelo longo, um pouco perdidas no palco. Uma tentativa de utopia- como é que a comunidade pode construír-se em conjunto , preservando a individualidade de cada dos seus membros mesmo se todos parecem o duplo de todos os outros? O cenário da peça reflecte o que aqui iestá em causa; sob a direcção de Tommy Noonan, 9 artistas de 6 países diferentes juntam-se para atirarem-se numa casa de poder dançada intitulada TOUT COURT. Uma elegia à fragilidade, simples caixas de cartão usadas como peças de Lego, cuja instabilidade representa a viagem humana, Seja como for, além do falhanço óbvio das tentativas, os protagonistas atiram-se, esforçando-se por escalar com a ajuda dos seus parceiros. Humor, absurdo, distância, corpos que se ligam, corpos que caem, mundos que caem e que se reconstróem a cada tentativa. Tout Court inspira frescura e dias melhores por vir. WE SHOULD ALLOW OURSELVES TO SMILE.

Six figures in white dungarees bustle about, glasses perched on their noses, long, somewhat dishevelled hair, a little lost on stage. They accomplish nothing short of an attempt at utopia – how can the community build together while preserving each member’s individuality, even when everyone appears to be the double of everyone else? The set for this piece reflects the issue at stake; under Tommy Noonan’s direction, nine artists from six different countries come together and throw themselves into a danced powerhouse entitled Tout Court. A kind of elegy to fragility emerges, a slow progression in a hostile environment incarnated by simple cardboard boxes used like pieces of Lego, whose instability effectively represents the human journey. Nevertheless, despite the obvious failure of the attempt, the protagonists launch themselves, struggling to climb up and helped by their fellow human beings. A moral dance, but one which is seasoned with spicy ingredients such as the absurd, humour and distance, even more obvious in the second half of the show which connects bodies which have once again become almost anonymous. Tout Court inspires a freshness hinting of brighter days to come. We should allow ourselves to smile.

Criado e Interpretado por/Created and Performed by : António Pedro Lopes, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Mia Haugland Habib, Gui Garrido, Begüm Erciyas, Monica Gillette and Murielle Elizéon.
Ideia e Direcção/Concept/ Direction : Tommy Noonan
Cenário e Figurinos/Set and Costumes : Franziska Jacobsen
Produzido por/Produced by: pvc-Tanz Freiburg-Heidelberg (Allemagne)

+ info here/aqui:

http://www.pvc-tanz.de/

http://www.youtube.com/watch?v=OdBEIju_5z4

Drifting /Em Deriva Sao Paulo

2011-04-25T22:56:00.002Z

Estou actualmente em residência artística no DESABA/Estudio Como no Centro de Sao Paulo, Brasil. O projecto DRIFTING/EM DERIVA é uma colaboração com o coreógrafo Gustavo Ciríaco. Os episódios do projecto, o seu progresso e processo até às apresentações podem ser seguidas no blog driftingemderiva.blogspot.com.

Currently in residency in DESABA/Estudio Como in Sao Paulo, Brazil. DRIFTING/EM DERIVA is a collaboration with choreographer Gustavo Ciríaco. Updates, episodes until the presentation can be found on this blog: driftingemderiva.blogspot.com.

Measure it In Inches in Vanves, March 2011- La Terrasse

2011-03-16T13:56:00.003-01:00

MEASURE IT IN INCHES- PREMIERE

2011-02-28T10:16:00.000-01:00

Caros Amigos

Como prometido, segue a informação da estreia de MEASURE IT IN INCHES. O espectáculo é uma colaboração com Marianne Baillot, co -criada com Rita Natálio e Severine Rième. A estreia é na próxima terça feira, 1 de Março às 19:30, no Teatro La Panopée, em Vanves, Paris no Festival Art Danthé.

Para os que estiverem perto, ficarei super contente de vos ver. Em breve, seguirão outras datas de apresentação em outros lugares.

Um bom fim de Inverno para todos e até breve.

Dear dear friends,

As promised here follows the info of the premiere of MEASURE IT IN INCHES. The performance is acollaboration between me and Martianne Baillot, co-created with Rita Natálio and Severine Riéme. The premiere happens this tuesday, March, at 19:30, at Theatre La Panopée, in Vanves, Paris in the frame of Festival Art Danthé.

I'll be most happy to see you there, c'mon over! Soon, we'll send you info on more dates.

Have a good end of WINTER, stay well and see you soon.

António Pedro Lopes

MEASURE IT IN INCHES

Marianne Baillot

António Pedro Lopes

Rita Natálio

Severine Riéme


	13ème festival ARTDANTHE au Théâtre de Vanves salle Panopée - 11 avenue Jézéquel Vanves, France (Paris)

	1 Mars, March 1st 19:30 + info: www.artdanthe.fr Reservations/Reservas: 01.41.33.92.91 (France)

	Scroll Down for info in FR, PT, ENG: Merci, Obrigado, Thank you. MEASURE IT IN INCHES -FR Enorme, extensif, fantastique, formidable, géant, gigantesque, immense, incalculable, imposant, hirsute, puissant, planétaire, prodigieux, incroyable, fantastique, luxuriant, superbe, titanique, qui crie, qui hurle un grand merci ! Une cérémonie de gratitude mise en scène au zénith d'un décor. Ou la banalité de demander une cigarette à un étranger qui rencontre la starlette phare des Oscars et l'euphorie des récompenses sportives. Nous recyclons le sentiment de reconnaissance. Nous mesurons ce sentiment en pieds, en centimètres, en degrés Fahrenheit, nous le dansons, nous le secouons, nous le jouons, nous en faisons des boucles, des numéros de ventriloques. La gratitude est ritualisée et tournée en un mode de communication et d'échange permanent, suspendu à une réalité merveilleuse sur un terrain de jeu appelé “plus grand que la vie”. Et si nous placions un zoom géant qui amplifierait encore et encore ces moments éphémères de fin de spectacles quand les acteurs reviennent sur scène pour recevoir un chaleureux applaudissement ? Andy Warhol a dit: “ ne prêtez pas attention à ce qu'ils écrivent sur vous, simplement mesurez-le en centimètres.” Parfois le pouvoir des mots et des émotions et un vague agrégat de visibilité et d'apparence. Mais imaginez que nous puissions changer l'unité de mesure et convertir l'apparence en de puissants centimètres de présence. Et en être reconnaissant. MEASURE IT IN INCHES -PT Um discurso de agradecimento. Uma cerimónia de gratidão suspensa no zénite de um cenário, onde a casualidade de agradecer um cigarro a um estranho encontra o evento estrelado dos Óscares e a euforia dos prémios desportivos. Recicla-se a condição de se estar grato por alguma coisa, “we measure it in inches” (medimo-lo em polegadas) e fahrenheit.A gratidão é ritualizada, suspensa num recreio de magníficação onde tudo se tenta sempre "mais do que a vida", ainda que desesperadamente. E mesmo quando os discursos de agradecimento trazem consigo os ruídos estranhos da competição e da fama, preferimos acentuar o sentido extásico da celebração, porque esta cerimónia não pode ter fim. E questionamos-nos se podemos fazer um zoom infinito, ampliar uma e outra vez o momento depois do espectáculo em que os actores voltam ao palco para receber um enorme aplauso. Andy Warhol disse uma vez: "não prestes atenção ao que escrevem sobre ti, mede-o apenas em polegadas". O poder das palavras e das emoções é um poder maleável medido em visibilidade, aparência, recoNhecimento e legitimação. Imagine-se agora por momentos inverter a régua e converter a medida da aparência na medida da presença. E concentrarmo-nos num OBRIGADO des-medido e suspenso, incapaz de sair de si própio e de se completar. MEASURE IT IN INCHES- ENG A thank you speech. A bulky, colossal, cyclopean, elephantine, enormous, extensive, gargantuan, giant, gigantic, great, huge, humongous, immeasurable, immense, jumbo, lusty, magnificent, mammoth, massive, mighty, monstrous, monumental, mountainous, outsize, oversize, planetary, prodigious, stupendous, titanic, towering, tremendous, vast, walloping, whopping thank you. An intense ceremony of gratefulness staged on the zenith of a set. There the casuality of thanking a cigarette to a stranger meets the starlette event of the Oscars and the euphoria of sports' prizes. We recycle the condition of being grateful for something. As we measure it in inches and fahrenheit, we dance it, we shake it, we loop it, we ventriloquize it, we stagecraft it. Gratitude is ritualized and re-experienced as a permanent mode of exchange and communication, suspended in a reality of wonder and on a magnificent playground called "larger than life". As we recall the strange noise of competition behind many thank-you cerimonial speeches, we also recognize the extatic sense of belonging and giving energy back. We wonder if we could put a gigantic zoom and amplify over and over again the fleeting moment after the show where the actors come on stage to receive a huge applause. Who, what and how to thank it? Andy Warhol once said: “don’t pay any attention to what they write about you, just measure it in inches”. And yes, sometimes the power of words and emotions is a melting concept measured in visibility and appearance. But imagine we could turn the ruler upside down and convert appearance in powerful inches of presence. And be thankful for it. Rita Natálio MEASURE IT IN INCHES- CREDITS/ FICHA TÉCNICA E ARTÍSTICA Un projet de / Um projecto de / a project by António Pedro Lopes e Marianne Baillot (Criação e Performance/ Creation and/et Performance). Co-crée par / Co- criado por/ co-created by Séverine Rième (/Lumiére/Design de Luz/Light Design) e Rita Natálio (Dramaturgie/Dramaturgia/Dramaturgy) Soutien de Production/Apoio á Produção/Production Support Paula Oliveira et/e/and Cécile Pennetier Une production/Uma produção/Produced by ELSE (Region Centre, França) et/e/and One Life Stand (Lisboa, Portugal) Co-produit par /Co- produção por/ Co-produced by Théatre de Vanves- Scéne Nationale de Danse (Vanves), Maus Hábitos (Porto), O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo), Festival Citemor 2011 (Montemor-o-Velho), CCN Belfort Residences Artistiques/Residências Artísticas/Artistic Residencies Maus Hábitos, CCN Belfort, O Espaço do Tempo, Théâtre de Vanves, Volapuk (Tours) Soutien à la Residence/Apoio à Residência/Residency Support GDA- Direitos dos Artistas Soutien/Apoio/Support Teatro Nacional São João(Porto),Companhia Erva Daninha (Fábrica, Porto) Remerciements/Agradecimentos/ Thank you to: Daniel Pires, Ana Carvalho, Hélder de Sousa, Mónica Rocha, Laurent Vinauger, Elizabete Leão, Júlio Alves, Gustavo Ciríaco, João Sofio, Filipe Conceição. L'Association ELSE a le soutien de la RÈGION Centre, de la DRAC Centre et de l’Adami . A Associação Else é subsidiada pela RÉGION Centre, DRAC Centre e Adami. Else Association is supported by RÉGION Centre, Drac Centre and Adami.

I FEEL, *MELK PROD, 16 FEBRUARY, TCI, PARIS

2011-02-14T20:04:00.000-01:00

iFeel

Marco Berrettini

Tanzplantation / *Melk Prod.

2009 / 1h40m / Pièce pour six interprètes

Chez ce chorégraphe qui hante nos scènes, c’est-à-dire qui les traverse avec une ardeur toute particulière, l’enjeu du spectacle est toujours politiquement marqué, référencé et finalement mis à distance, détourné, par la nécessité même du plateau. Pourtant la motivation première ne disparaît pas, et ses propositions scéniques gardent le potentiel d’une explosion, d’une menace, d’une colère, d’un rire retentissant, d’une moquerie d’autant plus efficace qu’elle est intelligente. iFeel, qui est qualifié par Marco Berrettini de spectacle « choréphile » !, trouve son origine dans le livre Colère et temps du philosophe allemand Peter Sloterdijk qui décrit une balance de nos sociétés occidentales, du désir de reconnaissance des exploits personnels à un régime des forces de l’Eros. Belle matière qui semble parfaitement résonner avec ses chorégraphies précédentes mais qui se diffracte et se relance par la volonté de signer à trois, Marco Berrettini donc, Carine Charaire et Chiara Gallerani, tout en affirmant l’expérimentation de différents modes de fonctionnement d’une compagnie de danse ! Ou comment éprouver une thématique en la mêlant intimement à l’émergence de l’œuvre. Féru d’histoire de la danse, joueur invétéré, manipulateur de figures, de personnages, soucieux, militant qui ne peut s’empêcher d’en critiquer les conséquences, agitateur, amoureux du disco for ever... Berrettini, and co, de la dynamite !

For this choreographer who haunts our stages, lending them a very particular ardour, the question of entertainment is always politically marked, referenced and eventually distanced and diverted by the constraints of the stage. Nevertheless, the initial motivation does not disappear and his theatrical suggestions retain the potential of an explosion, a threat, a burst of anger, a resounding laugh, mockery all the more effective for being intelligent. iFeel, described by Marco Berrettini as a “choreophile” show (!) is based on the book Anger and Time by the German philosopher Peter Sloterdijk who describes a shift in our Western societies, from the desire for recognition for personal accomplishments to a regime of the forces of Eros. This is beautiful material which seems to resonate perfectly with his earlier choreographies but which is diffracted and revived by the desire write this as a trio - Marco Berrettini, Carine Charaire and Chiara Gallerani - while asserting the experimentation of different modes of running a dance company! Or how to test a theme by inextricably intertwining it with the emergence of the work. A History of Dance enthusiast, an inveterate gambler, a manipulator of figures and characters, concerned, an activist incapable of preventing himself from criticising the consequences, an agitator, a lover of disco forever… Berrettini & Co. are dynamite!

Chorégraphie : Marco Berrettini, Carine Charaire et Chiara Gallerani
Interprètes : Jean-Paul Bourel, Laetitia Dosch, Nedjma Merahi, Deborah Coustold-Chatelard, Antonio Pedro Lopes et Sébastien Chatellier
Musique : Samuel Pajand
Lumières et direction technique : Bruno Faucher
Scénographie et costumes : *Melk Prod.

Coproduction : CCN de Franche Comté à Belfort ; CCN de Montpellier-Languedoc Roussillon.
Avec le soutien : du ministère de la Culture et de la Communication / Drac Île-de-France (au titre de l’aide à la compagnie conventionnée); du Département de l’instruction publique de la République et Canton de Genève ; Ville de Lancy; Fondation Culture et Rencontre ; Ville de Genève ; Loterie Romande ; Pro- Helvetia - Fondation suisse pour la culture ; Stanley Thomas Johnson Foundation; Ernst Göhner Stiftung; CORODIS; Pour-cent culturel Migros; le Parc de la Villette
Avec l’aide à la diffusion d’Arcadi.

→ 16/02/2011 à 21h00, Théâtre de la Cité internationale

MEASURE IT IN INCHES- Baillot, Lopes, Natálio & Rième : estreia 1 de Março

2011-01-17T18:20:00.006-01:00

Um discurso de agradecimento. Uma cerimónia de gratidão suspensa no zénite de um cenário, onde a casualidade de agradecer um cigarro a um estranho encontra o evento estrelado dos Óscares e a euforia dos prémios desportivos. Recicla-se a condição de se estar grato por alguma coisa, “we measure it in inches” (medimo-lo em polegadas) e fahrenheit.A gratidão é ritualizada, suspensa num recreio de magníficação onde tudo se tenta sempre "mais do que a vida", ainda que desesperadamente.

E mesmo quando os discursos de agradecimento trazem consigo os ruídos estranhos da competição e da fama, preferimos acentuar o sentido extásico da celebração, porque esta cerimónia não pode ter fim. E questionamos-nos se podemos fazer um zoom infinito, ampliar uma e outra vez o momento depois do espectáculo em que os actores voltam ao palco para receber um enorme aplauso.

Andy Warhol disse uma vez: "não prestes atenção ao que escrevem sobre ti, mede-o apenas em polegadas". O poder das palavras e das emoções é um poder maleável medido em visibilidade, aparência, reconhecimento e legitimação. Imagine-se agora por momentos inverter a régua e converter a medida da aparência na medida da presença. E concentrarmo-nos num OBRIGADO des-medido e suspenso, incapaz de sair de si própio e de se completar.

Rita Natálio

DATAS:

1 de Março, Estreia, La Panopée, Festival Art Danthé, Vanves, Paris, 19:30

18/19 Maio, Le Triangle, Festival AGITATO, Rennes, França

Julho/Agosto, Residência + Estreia em Portugal, Festival Citemor 2011, Montemor-o-Velho

24-30 Setembro, Teatro Helena Sá e Costa, Porto

Maio 2012, Scène National de Orleáns, França

+ info soon.

A Danca Portuguesa vai a Franca, por Ines Nadais, Publico.

2011-01-17T11:11:00.003-01:00

Tiago Guedes em

Propostas para 2011

A dança contemporânea portuguesa vai a França

Por Inês Nadais

O coreógrafo Tiago Guedes é o primeiro a entrar em cena, já hoje, com um ciclo-relâmpago no novo Centre Pompidou de Metz

Tiago Guedes no Pompidou de Metz, Marlene Freitas e a dupla Elisabete Francisco/Teresa Silva no Vivat La Danse de Armentières, António Pedro Lopes e Rita Natálio no Festival Artdanthe de Vanves, Tânia Carvalho nos Rencontres Choréographiques Internationales de Seine Saint-Denis: ao longo dos próximos meses, a novíssima dança contemporânea portuguesa vai estar em peso em França. O movimento pendular não é novo (França tem sido uma escala fundamental no processo de internacionalização da criação coreográfica nacional), mas a concentração é invulgar. "Allons enfants", então: Tiago Guedes, que está a partir de hoje no Centre Pompidou-Metz com um ciclo-relâmpago, é o primeiro a sair.

E o que faz ele em Metz, nesta fase em que não tem nada de novo para mostrar (a sua última criação, Coisas Maravilhosas, teve estreia em 2008 - e em França, precisamente)? "O programa Instantané Tiago Guedes não é uma retrospectiva, é uma mostra dedicada ao meu trabalho que incide particularmente nas peças em que o cruzamento com as artes plásticas está mais presente: Matrioska (2007), Um Solo (2002) e Materiais Diversos 2003)", explica o coreógrafo ao P2. O flash Tiago Guedes vai mais longe: para tornar mais produtiva a aproximação à obra do criador português, haverá dois workshops (o primeiro já amanhã, dirigido para o público em geral, a partir do espectáculo infantil Matrioska, e outro com os alunos da École Nationale Supérieure d"Arts de Nancy) e uma conferência pelo crítico do PÚBLICO Tiago Bartolomeu Costa.

"Agrada-me esta ideia de mostrar o meu trabalho numa perspectiva mais alargada. E o Pompidou de Metz é um sítio fantástico, porque tem uma ideia de programação muito virada para os cruzamentos das artes performativas com as artes visuais", sublinha Tiago Guedes. Olhar para trás e ver as três peças à distância de todos estes anos tem, de resto, um valor acrescentado até para ele: "É uma boa altura para reavaliar o que tem sido o meu trabalho e a sua recepção a nível internacional, particularmente em França. Estou numa fase em que todo o meu trabalho como criador está a ser reequacionado, porque tenho andado muito ocupado com tarefas de programação e de gestão cultural que exigem a minha dedicação a 200 por cento", diz, referindo-se ao Festival Materiais Diversos, de que é director artístico, e à projectada instalação de um centro de residências artísticas em Minde.

Aquilo que Tiago Guedes fez entre 2002 e 2008 é, portanto, tudo o que há: o coreógrafo está oficialmente em modo pausa e não há novas criações à vista, o que "é bom": "Detesto a sensação de estar preso a uma coisa. O meu trabalho artístico sempre esteve em constante mutação."

Co-produzir lá fora

Tânia Carvalho, pelo contrário, está num momento particularmente produtivo da sua carreira como coreógrafa. Icosaedro, a peça que se estreará a 29 de Abril na Culturgest, e que depois estará nos Rencontres Choreógraphiques Internationales de Seine Saint-Denis (5 e 6 de Maio), é, com um elenco de 20 intérpretes, a sua mais ambiciosa produção até à data. "Há quatro anos que quero fazer esta peça, mas até aqui foi impossível. Como a minha peça anterior, De mim não posso fugir, paciência, rodou bastante lá fora, aproveitei os contactos internacionais para reunir apoios", explica. Teria sido impossível financiar uma peça desta escala só em Portugal: "A maior parte do dinheiro vem todo lá de fora." Icosaedro viajará muito, de resto: para Berlim, Dresden e Barcelona, pelo menos.

Première Impression, de Marlene Freitas (29 de Janeiro), e Leva a mão que eu levo o braço, de Elisabete Francisco e Teresa Silva (3 de Fevereiro), também serão lanças em França, no Vivat La Danse, onde estarão lado a lado com criações de Boris Charmatz, Christian Rizzo e Anne Teresa de Keersmaeker. E a 1 de Março, no Artdanthe, Measure it in inches, de Marianne Baillot, António Pedro Lopes e Rita Natálio, mostra-se num festival por onde passam também Lia Rodrigues, Alain Buffard e Jérôme Bel.

Luzes Ligadas no Teatro Micaelense, Revista Açores, Dezembro de 2010

2010-12-28T18:52:00.001-01:00

Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa no Teatro Micaelense, Gillette & Lopes in AçoresVIP, RTP Açores

2010-12-09T11:16:00.000-01:00

Luzes Ligadas _ Spot_ rtp açores

2010-12-01T22:52:00.001-01:00

Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa - O espectáculo, Teatro Micaelense

2010-12-01T22:51:00.001-01:00

Double Trouble - Teatro Micaelense

2010-12-01T22:50:00.000-01:00

Gilette & Lopes no Teatro Micaelense from ARTilharia TV on Vimeo.

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA + DUPLO SARILHO (WORKSHOP), no Teatro Micaelense, Ponta Delgada, 22-27 de Novembro 2010

2010-11-08T13:03:00.005-01:00

LUZES LIGADAS NãO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA
27 NOV 2010 | 21:30

Luzes ligadas não quer dizer que estejamos em casa é o encontro de duas histórias e criação de uma ficção. Gillete & Lopes trabalham com transposições, coreografias, narrativas e viagens. Através da apropriação de cenas iconográficas de casais na história do cinema, Gillete & Lopes extraem partituras que reficcionalizam injectando as suas biografias. Entre o Porto, Lisboa, Ponta Delgada, Los Angeles e o México, os perfis ficcionais constroem-se também ao integrarem os locais/ cidades de trabalho como se tratassem de cenários de um filme.

A performance by/ Um espectáculo de: Monica Gillette & António Pedro Lopes
Executive Production/ Produção Executiva: Joana Martins
Dramaturgical Support/ Acompanhamento Dramatúrgico: Rita Natálio
Light Design/Desenho de Luz: Alexandre Coelho
Costumes/Figurinos: Guilherme Garrido
Photography/Fotografia: Rodrigo Valero Puertas, Olga Belchior
Artistic Residencies/ Residências Artísticas:RE-AL, Balleteatro, Teatro Micaelense, Forum Prisma-Mexico, Devir/CAPA, La Caldera
Co-produced by/Co- produzido por:Festival Escrita na Paisagem 2010 (Évora, Portugal), Teatro Micaelense (Ponta Delgada,
Azores)
Residency Support/Apoio à Residência: GDA- Direitos dos Artistas
Financial Support/Apoio Financeiro: Fundação Calouste Gulbenkian

Traveling support of/Apoio às Viagens: Instituto Camões
Many many thanks to/Muito muito obrigado a: Rita Almiro, Laura Lamas, Marta Vieira, Romana Moreira, Gianna & Conrad Smart, Ana Lúcia Cruz, National Theater of Mannheim, Tommy Noonan, Inês Mariana Moitas, João Fiadeiro, O Espaço do Tempo, Francisco Lopes, Diana Gillette, Primeiro Andar, Gustavo Ciríaco, Marine Budin, weyou e Rita Ferreira

Previous Presentations/ Espectáculos Anteriores:

23 de Setembro de 2010 (Estreia), A Bruxa Teatro, Festival Escrita na Paisagem, Évora, Portugal
3 e 4 de Setembro de 2010 (Ante Estreia), La Caldera, Barcelona, Espanha

20 de Agosto de 2010 (ensaio aberto), CAPA- Centro de Artes Performativas do Algarve, Faro, Portugal
29 De Junho de 2009 (trabalho em progresso) CASA- Casa das Artes de San Augustin, Fórum Prisma, Oaxaca, Mexico
15 de Maio de 2009 (trabalho-em-progresso), Balleteatro, Porto, Portugal

WORKSHOP DUPLO SARILHO22 NOV 2010 a 26 NOV 2010 | 19:00

Durante a semana de apresentação de Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos em Casa, Gillette & Lopes propõem um workshop multidisciplinar em que se utiliza a biografia de cada um para encenar uma ficção.
Ao longo dos cinco dias, serão propostas uma série de tarefas para coleccionar material gerado pelos participantes a partir das suas histórias à volta do tema CASAL. Serão visualizadas cenas de casais no cinema para informar a criação de um guião que active os materiais criados pelos participantes. Os diversos pontos de vista que acompanharão esta pesquisa coreográfica, experiência partilhada e sentido constante de espectáculo serão incluídos e originarão novos materiais. Esta aventura transformará o Teatro Micaelense, e todos os seus espaços, num enorme palco. No fim da semana, abrimos as portas e convidamos toda a gente para uma apresentação dos resultados do workshop.

Destinatários: Até ao máximo de 15 participantes, a partir dos 16 anos. O workshop destina-se a todas as pessoas interessadas em cinema, dança e teatro, com ou sem experiência de palco, que tenham igualmente vontade em documentar, capturar e criar a partir da observação de imagens ao vivo no espaço teatral. Aberto a estudantes das várias artes, amadores e profissionais, apaixonados e solteiros.

Nota: Todos os participantes são convidados a trazerem um meio do seu interesse para usar quando pensam em documentar ou registar uma cena ou um evento do mundo: os vossos corpos, uma câmara de filmar, uma máquina fotográfica, um gravador de som, um microfone multidireccional, um telefone 3G, barro, lápis de cor, folhas brancas, guache, pincéis, papel e caneta, um computador...

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA- Estreia/Premiere

2010-11-03T10:15:00.001-01:00

MIND-BODY-BRAIN LAB LISBOA/TELAVIVE de Abraham Hurtado, no CCB 5,6 NOVEMBRO

2010-10-31T20:23:00.010-01:00

abraham HURTADO
MIND-BODY-BRAIN LAB

[espectáculo]
MIND-BODY-BRAIN LAB DE LISBOA
CCB | Sala de Ensaio | 5 NOV | 21h00
MIND-BODY-BRAIN LAB DE TELAVIVE
CCB | Sala de Ensaio | 6 NOV | 19h00

programa conjunto com arkadi zaides

Mind-Body-Brain é um conjunto de laboratórios que tem lugar nas cidades de Berlim,
Barcelona, Lisboa e Telavive.
A pesquisa desenvolvida em torno do conceito Mente-Corpo-Cérebro parte de uma ideia
-base: a necessidade de os laboratórios serem realizados em diferentes cidades,
o que permite abordar a intimidade e a identidade dos criadores \ performers convidados
nos seus diferentes backgrounds e realidades.
O laboratório é também condicionado pelo tempo, trabalha-se num intervalo temporal
reduzido (5 dias), obtendo como resultado imediato uma micro-performance.

Ideia e Direcção Abraham Hurtado
| Dramaturgia Thierry Decottignies |
Vídeo Abraham Hurtado
Mind-Body-Brain Lab de Lisboa: Criação e interpretação
Andrés Agudelo, João Costa, João Evangelista, António Pedro Lopes,
Joaquim Revenga “Tatín”
| Música Jochen Arbeit
Mind-Body-Brain Lab de Telavive: Criação
Andrés Agudelo, Ehud Darash, Roe Efrat, Elian Valaji, Ofir Yudilevitch,
Arkadi Zaides
| Interpretação
Andrés Agudelo, Ehud Darash, João Evangelista, António Pedro Lopes,
Joaquín Revenga “Tatín”, Arkadi Zaides
| Música Ran Slavin |
Fotografia e D.P.O Vídeo Anders Bigum

[abraham HURTADO] saber mais

LUZES LIGADAS / LIGHTS ON com/with Rodrigo Valero Puertas, Mexico City, July 2009

2010-10-12T18:06:00.001Z

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA|GILLETTE AND LOPES com o Fotógrafo Rodrigo Valero Puertas from Antonio Lopes on Vimeo.

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA- Video Teaser

2010-10-12T17:03:00.004Z

Lights On Doesn't Mean We're Home from gui garrido on Vimeo.

Antonio Pedro Lopes & Monica Gillette - residents La Caldera 2010- Pre-Premiere 3-4 September

2010-10-01T17:49:00.002Z

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA, em Faro. Ensaio Aberto.

2010-08-18T11:08:00.001Z

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * Second Moment of Presentation* Bamboo Curtain Studio, Taipei, Taiwan* Saturday, 24 July at 17h*

2010-07-20T10:48:00.006Z

Talking Cure com Rita Natálio *

2010-07-18T08:54:00.001Z

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * Residency at Bamboo Curtain Studio, Taipei, Taiwan, July 2010

2010-07-12T07:37:00.001Z

In Italo Calvino’s Invisible Cities, one story describes one village where one sees lines of different colours connecting the inhabitants, displaying, each of them, the affections that stream through that small community. One love tie in full red color is described to go from one’s window to another far down the street, from one lover to another. This way, friendships, family and working ties, as well as love and hatred, or just acquaintances were made visible through these lines across the village. They shaped an invisible network of affections, shared stories and lives across the physical spaces they inhabit, in a city.

Having in mind Calvino’s imaginary village, we started wondering how it will be like to follow these ties through a city we don’t know, Taipei. We decided to start by choosing someone in a given neighborhood, a man or a woman; a first encounter, the basis and beginning for a series of meetings that will follow from it. Each person will indicate us someone else. The next person to be contacted, a friend, a relative, an acquaintance, a co-worker, or in a more extreme case, a total stranger. These encounters are thought as open-ended in terms of the results aimed. In any case, each encounter as a situation suggests its own documentation and even the procedures to follow with meeting the next person. We will apply drifting as a strategy to move through the different stages of the process. We will start by an encounter and from there constantly digress and stray to another subject seeking to enlarge the spectrum of study and the knowledge related to the modes of living of the context. This as strategy will inform its future creative transformation and use.

Why Taipei? We nurture an interest in the emerging experimental cinema made in Taiwan ( Tsai Ming Liang). In this realm, the direction of story telling is treated with delicateness and unusual ways of crossing narrative and image. Something in how the particular temporalities shape the daily activities and human relationships, how Taipei potentially seems to affect those who live in it and the micro realities they occupy.

In these encounters, we will move through experiencing the space of the trivial, entering locals’ daily life and crossing their stories. We will include and accept the digressions following the specific conjunctures of the search of these meetings.

We are artists who work in performance, specifically dance and choreography but approach our works with transversality and multidisciplinarity. Coming from Brazil and Portugal we share a common interest in engaging in creative processes whose outcomes are free from a previous agenda. We carry the desire to depart from a collaborative conceptual premise that places the context at its center to ignite moves from experience to text, from perception to image, from reality to fiction and from documentation to art making.

António Pedro Lopes and Gustavo Ciríaco.

Gillette & Lopes no Festival Escrita na Paisagem, Setembro 2010

2010-05-28T13:40:00.002Z

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * First Moment of Presentation* Casa França Brasil, Rio de Janeiro* Saturday at 16h

2010-05-16T05:59:00.002Z

Marco Berrettini. Les formes de la colère (Critique)

2010-02-04T15:28:00.000-01:00

Marco Berrettini. Les formes de la colère

Publié par Bertrand Tappolet Mardi 26 janvier 2010 dans Danse. Tags: Berrettini, Danse, i feel.

S’inspirant de “Colère et temps”, essai dû au philosophe Peter Sloterdijk, “iFeel” de Marco Berrettini pose en ligne, comme assoupis devant un cube de briques en feutrine, six danseurs en habits de serviteurs…

S’ils s’agitent lentement comme une immense colonne vertébrale qui respire, ils n’en sont pas moins en service commandé d’une société de l’”entertainement” qui récupère toute manifestation artistique qui participe de son système marchand. Et où même la fonction critique s’émousse devant la pâleur et la parcellisation du mouvement protestataire Ces figues participent aussi de l’humour noir du “Festen” de Vinterberg s’attaquant aux consensus du groupe. On a l’air de parler de « comédie dramatique » chorégraphique, non de « comédie » pure, mais il y a un peu de ça chez Marco Berrettini (proche en cela des Blake Edwards les plus dépressifs), dans la mesure où le vivant finit toujours par l’emporter sur le mécanique (ce dernier étant un moteur essentiel de la comédie). “iFeel” a le chic pour situer ses scène dans une zone incertaine entre la paix et la douleur, la participation aux choses et la critique acerbe de ces mêmes choses.

Entretien avec Marco Berrettini

Eventail chorégraphique

Recourant à l’absurde, la création recueille le meilleur de la Compagnie de Marco Berrettini - accompagné ici à la chorégraphie de Carine Charaire et Chiara Gallerani -, dont “Multi(s)me”. “iFeel” réussit avec bonheur l’alliage entre l’exploration d’une culture populaire (la musique d’ascenseur “Clair de lune”, la comédie musicale) et d’une historiographie de la danse sur fond de société matricée par un consensus mou, qui recycle et récupère toute manifestation artistique. Une mollesse pierreuse qu’emblématise sur le plateau ce mur que les protagonistes ne cessent de reconfigurer. Tour à tour reflets de la matrice décrite par Sloterdijk, les briques ductiles servent d’instable piédestal pour un surplace trépidant sur le thème de “Star Wars” ou de siège à un duo féminin érotique à la Crazy Horse. Elles échafaudent aussi une ziggourat façon Oracle de Delfe pour répondre au désir de colère et de reconnaissance de pénitents. Marco Berrettini poursuit son exploration de la culture américaine et s’inspire aussi bien des comédies musicales de Brodway que du théâtre musical politique allemand.

Il y a ainsi dans ce “iFeel” comme autour du monolithe du kubrickien “2001, l’Odyssée de l’espace”, un abîme qui nous aspire quoique l’on fasse, une façon de distendre la temporalité dans un merveilleux et indécidable inaccomplissement, aussi. Sa signification qui se dérobe en permanence nous pousse au vertige du sens. Dans ses temps morts apparents, ces gels de l’action scénique, la pièce nous reconduit au silence face à nous et aux autres.

De l’essai au livre objet
Dans “Colère et temps”, Peter Sloterdijk propose une histoire alternative de l’Occident, dont le moteur serait la colère née de l’injustice. Alors que dans la Grèce antique, on pouvait laisser exploser directement sa colère, on ne put par la suite que la sublimer, la différer, la repousser ou la thésauriser en vue d’une accession au pouvoir.
Des lois d’airain marquant la transe consommatrice face à l’objet (l’Eros), on échoue à la compétition et à la soif de reconnaissance (le Thymos). « Il faut être déchiré par quelque chose qui nous dépasse pour penser », affirme le philosophe post nietzschéen à l’approche libérale très controversée et anti-gauches. Aux yeux du chorégraphe Marco Berrettini, Sloterdijk décrit nombre de situations dans lesquelles les gens sont en colère, mais isolés. Ils ne parviennent pas à trouver quelqu’un qui les représente, qui réunirait leurs forces et partagerait les mêmes soucis et préoccupations dans la vie.

L’une des techniques de Peter Sloterdijk consiste à prendre une catégorie traditionnelle de l’histoire de la philosophie et à lui associer son opposé resté dans l’ombre. Ainsi, au cours de sa lecture critique de Heidegger, il accole au fameux « être pour la mort » heideggerien le traumatisme contraire de la naissance, de la « natalité » ou la « venue-au-monde «. De la même manière, dans Colère et Temps (”Zorn und Zeit”, allusion au “Sein und Zeit” d’Heidegger), il ajoute à la logique prédominante de l’Eros son obscure contrepartie : le Thymos. À la logique de la possession, de la production et de la jouissance des objets (l’Eros) se substitue celle de l’envie (le Thymos).

Mots et corps
De son essai, ne semble repérable d’abord qu’une scène burlesque. Bustes dénudés que barrent leurs bras croisés, trois interprètes débattent des teintes de la couverture, du lettrage, du code barre. Un moment anthologique qui n’est pas sans rapatrier, jusque dans son dispositif corporel et d’adresse, la pièce d’Eléonore Weber, “Rendre une vie vivable n’a rien d’une question vaine”. Qui explore le chiasme entre le mot et la chose désignée. Un vrai-faux débat se muant en fiévreuse dispute philosophico-sémiologique à l’ère du vide et que travaille un humour de la plus belle eau. Troublante, à la lisère de l’enfance et du monde adulte, la comédienne française ultra-prometteuse Laetitia Dosch est ici proche dans ses expressions inquiètes de la nouvelle star canadienne, Ellen Page. Journaliste, elle interroge un pseudo érudit critique, Peter Malkovich (Antonio Pedro Lopez, parfait) : « Est-ce qu’il n’y aurait pas deux couvertures en une, la couverture enfant et la couverture adulte ? ». Puis enchaîne : « Vous voulez m’embrasser ? ». Entre manifestation tour à tour féline, retenue et orgasmique exhalaison du désir et de la colère, cet épisode improvisé témoigne d’une parfaite maîtrise des ruptures de ton, de rythme à l’œuvre dans le spectacle. Comme chez le chorégraphe français Georges Appaix, le mot éclaire moins la danse, qu’il ne la fonde sur le rythme, la contradiction et la fragilité.

Tout s’achève en une atmosphère de plage surfant sur une magnifique métaphore de la société idéale, fraternelle et charnelle. C’est la possible transposition de cette notion de l’ « au-delà du ressentiment » explorée par Sloterdijk. Dans cette fausse légèreté fragile, quatre danseurs dénudés rapatrient les rondes de la ferme de Monte Verità, où la danse « naturiste » fut laboratoire artistique que fréquentèrent Laban et Wigman. Nous sommes dans l’utopie de l’innocence chère à la Renaissance. Mais aussi le mirage à l’humanisme ambigu du corps naturel, moyen de régénération récupéré et dévoyé, un temps, par le totalitarisme naissant, le groupe et ses utopies communautaristes. Il y a du Loïe Fuller et du Isadora Duncan dans ce retour un retour à l’hellénisme et au culte du corps. Qui redonnait toute sa place à la beauté, à l’harmonie du corps, l’exhibant nu, dissimulé seulement de quelques voiles en cellophane.

Résidence en danse
Œuvre protée à couches multiples, “iFeel” est le fruit d’une résidence tenue au Collège de Saussure sous la houlette du DIP notamment, dont la phrase de son Magistrat, Charles Beer, « la culture est le ciment de nos sociétés laïques », fait étrangement écho à la scénographie. Au fil de plusieurs mois, élèves et enseignants ont pu se familiariser avec le processus de création et le prolonger par des réalisations s’étageant de la photo à l’installation plasticienne
Bertrand Tappolet

ADC Salle des Eaux-Vives. Genève. Jusqu’au 27 janvier 2010.

Mind-Body-Brain Lab Lisbon / Abraham Hurtado

2010-01-29T11:26:00.001-01:00

The performative researches that we have been conducting out of any systematism around the triple theme Mind-Body-Brain have led us to develop a series of exercises, from the physical to the figurative, that have had the aim to bring forth figures half-way between the personal, the physical reality of the performers and fiction - a fiction necessarily uncertain, as indistinct and changing as reality itself (when reality is not taken for granted). More generally, this has led us to examine the function of fiction in our so-called cynical and disillusioned era and the relationship between the artist and his milieu as regards to the creation of a discourse.

I FEEL, Marco Berrettini/*MELK PROD (critic @ LE Courrier, Genève)

2010-01-21T11:12:00.004-01:00

A l'ADC, l'odyssée de la colère prend son temps

Paru le Mercredi 20 Janvier 2010

BERTRAND TAPPOLET

GENÈVE - Entre danse subvertie par une théâtralité loufoque et philosophie en acte, «iFeel» de Marco Berrettini opte pour la prolifération du sens et des formes.
Il y a des pièces déroutantes, et essentielles aussi parce qu'elles bousculent nos attentes par une mise à distance critique du monde du spectacle et du corps dansant: iFeel en fait partie, à savourer jusqu'au 27 janvier à la salle des Eaux-Vives à Genève. Colère et temps dû de Peter Sloterdijk lui sert d'embrayeur d'imaginaire chorégraphique et de rythme, dont un duo masculin en claquettes et rhapsodes avec le livre comme instrument percussif façon Stomp. Tout s'ouvre sur six danseurs et comédiens complétant un cube en parpaings de mousse servis sur plateau. Avant de sommeiller debout en une ligne de corps agitée tel un éventail. Ces délaissés ou déclassés de l'Histoire sont en livrées de domestiques, rappelant le vaudeville et ses pantins articulés victimes de quiproquos. iFeel est le fruit d'une résidence tenue au Collège de Saussure, sous la houlette du DIP notamment.

Patchwork chorégraphique

L'opus pratique la citation en dévoyant des pans entiers de l'histoire des arts vivants. Du théâtre musical allemand et des cabarets antifascistes en passant par le cirque, le music-hall, les déhanchements érotico-bettyboopiens du New Burlesque, iFeel n'oublie pas les voiles de cellophanes papillonnants, vibratiles animés de longs bâtons et faisant disparaître le corps, évoquant l'égérie dansante de la Belle Epoque, Loïe Fuller. Bientôt, les danseurs alignent les pas de gigues style Lord of the Dance, avant d'entamer une course circulaire en chantonnant le «I Feel Pretty» de West Side Story.
Recourant à l'absurde, au nonsense, la création renoue avec le meilleur de la Compagnie de Marco Berrettini, dont Multi(s)me et L'Opérette sans sou, si. En ligne de mire philo, une société matricée par un consensus mou. Lequel recycle, récupère toute manifestation artistique. Une mollesse pierreuse qu'emblématise, sur le plateau, ce mur que les protagonistes ne cessent de reconfigurer. Les briques ductiles servent ainsi d'instables piédestaux pour un surplace sautillant sur le thème de Star Wars. Il y a dans ce iFeel un abîme qui nous aspire quoique l'on fasse, une façon de distendre la temporalité dans un merveilleux inaccomplissement, aussi.
Dans son ouvrage, Sloterdijk propose une histoire alternative de l'Occident, dont le moteur serait la colère née de l'injustice. De la transe consommatrice et de la jubilation face à l'objet (l'Eros), on échoue dans la compétition, la soif de reconnaissance (le Thymos). De son essai, ne semble surnager d'abord qu'une scène burlesque. Bustes dénudés que barrent leurs bras croisés, trois interprètes débattent des teintes de la couverture, du lettrage, du code-barres.

Humanité contradictoire

Un moment anthologique qui tourne autour du réel et du langage sans pouvoir les circonscrire, en creusant l'écart entre le mot et la chose. Et témoigne d'une parfaite maîtrise des ruptures de ton, dont le spectacle fait son miel, multipliant les incises au sein d'un canevas devenant mystérieux à force de décadrages et de glissements de sens. Le mot éclaire moins la danse, qu'il ne la sédimente d'une humanité contradictoire, vulnérable.
On échoue in fine à une atmosphère de plage surfant sur une magnifique métaphore de la société idéale, fraternelle et charnelle. Un quatuor formé d'un faune et d'elfes ébrouent leurs anatomies dénudées qu'infantilise une bande-son disneyenne. Dans cette fausse légèreté fragile, ils rapatrient la gymnastique rythmique à la Dalcroze alternant inspiration et expiration, comme la danse «naturiste» des années 1910. Un mirage à l'humanisme ambigu du corps naturel, du groupe et ses rêves communautaires, fusionnels. I
Note : Jusqu'au 27 janvier à 20h30, di à 18h, relâche lu 25 janvier, Salle ADC des Eaux-Vives. 82-83 rue des Eaux-Vives. Rés: tél: 022 320 06 06, www.adc-geneve.ch

TOUT COURT in Paris, 18th of February 2010 Théatre de la Cité Internationale

2010-01-17T23:26:00.001-01:00

Hors Saison 2010

12/02/2010 > 18/02/2010

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Tommy Noonan

Tout court

Tommy Noonan

Association La dépose

1h / Pièce pour six interprètes / Création 2008

Six figures en salopettes blanches, lunettes sur le nez, cheveux longs un peu négligés, légèrement perdus sur le plateau, s’activent. Elles ne réalisent rien de moins qu’une tentative utopique : comment la communauté réussit à construire ensemble tout en préservant l’individualité de chacun, même si, chacun, semble le double de l’autre ? La mise en place de cette pièce est à l’exemple de son enjeu ; sous la houlette de Tommy Noonan, neuf artistes de six pays se réunissent et se projettent dans un laboratoire dansé dénommé Tout court. S’y affiche une sorte d’éloge de la fragilité, de la progression en milieu hostile, incarné par de simples cartons utilisés comme les pièces d’un jeu de lego, où l’instabilité représente bien le cheminement humain. Cependant, malgré l’évident échec de la tentative, les protagonistes se lancent, tentent l’ascension, aidés de leurs semblables. Une danse morale donc qui se pare pourtant d’ingrédients piquants tels l’absurde, l’humour ou la distance, plus évidents encore dans la seconde partie du spectacle qui combine des corps redevenus presque anonymes. Tout court instille une fraîcheur qui fleure bon les lendemains qui chantent. Laissons-nous sourire.

Six figures in white dungarees bustle about, glasses perched on their noses, long, somewhat dishevelled hair, a little lost on stage. They accomplish nothing short of an attempt at utopia – how can the community build together while preserving each member’s individuality, even when everyone appears to be the double of everyone else? The set for this piece reflects the issue at stake; under Tommy Noonan’s direction, nine artists from six different countries come together and throw themselves into a danced powerhouse entitled Tout Court. A kind of elegy to fragility emerges, a slow progression in a hostile environment incarnated by simple cardboard boxes used like pieces of Lego, whose instability effectively represents the human journey. Nevertheless, despite the obvious failure of the attempt, the protagonists launch themselves, struggling to climb up and helped by their fellow human beings. A moral dance, but one which is seasoned with spicy ingredients such as the absurd, humour and distance, even more obvious in the second half of the show which connects bodies which have once again become almost anonymous. Tout Court inspires a freshness hinting of brighter days to come. We should allow ourselves to smile.

Création et interprétation : António Pedro Lopes, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Mia Haugland Habib, Gui Garrido, Begüm Erciyas, Monica Gillette
À sa création, la pièce comptait également la présence au plateau de Murielle Elizéon.
Concept du projet et direction de la pièce : Tommy Noonan
Scénographie et costumes : Franziska Jacobsen

Avec le soutien à la production de pvc-Tanz Freiburg-Heidelberg (Allemagne)

La pièce a également été présentée au Théâtre de la Cité internationale les 3 et 4 avril 2009 dans le cadre de l’événement SKITE / Sweet & Tender collaborations.

→ 18/02/2010 à 18h30, Théâtre de la Cité internationale

Mind-Body-Brain. Laboratory in Lisbon

2010-01-04T13:10:00.001-01:00

Mind-Body-Brain
de Abraham Hurtado
Lab Lisboa

O Laboratorio de Lisboa na Eira 33 é o terceiro de as cinco cidades onde estao a ser feitos ( Berlim, Barcelona, Lisboa, Tel Aviv, Bruselas). A necesidade de fazer estes laboratorios en diferentes cidades é por uma razao artística na pesquisa do trabalho a desenvolver em relaçao ao conceito Mind-Body-Brain.O facto de trabalhar com este conceito lévame a trabalhar com a intimidade e identidade dos criadores/performers convidados com diferentes backgrounds e realidades no seu entorno. O laboratorio té como premisa o tempo, trabalhamos num tempo reduzido (5 dias) para obter o resultado inmediato de uma micro/performance como resultado final. Nas últimas criaçoes tenho trabalhado entorno a mémoria, perdúa, o corpo inerte e vazío, o espaço entre o vivo e morto, estados mentais, mundos virtuais, desordem mentalEm continuaçao a estes elementos quero centrar a investigaçao entres acçoes e consequencias de a relaçao entre Mente-Corpo-Cerebro.

Idea e direcçao: Abraham Hurtado
Criado e executado por: Joao Costa, Joao Evangelista, Antonio Pedro Lopes, Joaquim Revenga Tatín e Vítor Roriz.
Música: Jochen Arbeit/ Jan Ferreira
Video: Abraham Hurtado
Dramatúrgia: Thierry Decottignies
Direcçao de Fotografía e Assistencia em video: Anders Bigum

Eira 33
Rua Camilo Castelo Branco, 31, 1er andar. Lisboa
Apresentaçao informal no dia 07 de Janeiro as 21h

AGENDA

2009-12-28T17:31:00.026-01:00

2011

+ NOVEMBER & DECEMBER

LES RECOLLETS international-recollets-paris.org/
1 October 2011-1 January 2012, Artist in residence in Centre International Recollets for

JANUARY 2012

DRIFTING- EM DERIVA- LISBOA
Collaboration Project with Gustavo Ciríaco
26,27,28,29 January, 21:30, NEGÓCIO/Galeria ZDB - Lisboa

MEASURE IT IN INCHES!, creation 2011
29 January 2012 FESTIVAL TEMPS DIVERS, Halle-aux-Grains, Blois, France

FEBRUARY 2012

Si, Viaggiare, creation 2011, MELK PROD/Marco Berrettini
7,8 February, CNDC, Angers, France
10,11 February, Arsenic, Lausanne, Switzerland

MEASURE IT IN INCHES
18,19 February FESTIVAL HORS SAISON- Arcadi, LA FERME DE BUISSON

MARCH 2012

MEASURE IT IN INCHES!, creation 2011
29 March 2012, Festival Art Danthé Vanves

APRIL 2012

MEASURE IT IN INCHES!, creation 2011
14 April 2012, Scène National de Orléans, France

Resumo :: Circular 2009

2009-11-30T09:24:00.001-01:00

An overview of Circular Festival 2009 where i moderated a talk with artist Marco Berrettini.

I WANT MORE FANS YOU WANT MORE STAGE/ Collaboration with Guilherme Garrido/Excerpts

2009-11-23T19:19:00.002-01:00

I WANT MORE FANS YOU WANT MORE STAGE from gui garrido on Vimeo.

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA|GILLETTE AND LOPES| ESTREIA SETEMBRO 2010| Um Vídeo-Poema

2009-11-15T19:02:00.003-01:00

LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME - video poem (Portuguese)
Enviado por Gillette-Lopes. - videos de Arte e de animação

holding on to nothing with everything i've got - 2

2009-10-23T19:04:00.002Z

holding on to nothing with everything i've got - 2008-
Enviado por antoniopedrolopes. - Videos Independentes

holding on to nothing with everything i've got (in france 2007)

2009-10-06T20:49:00.003Z

António Pedro Lopes- BIO- PT|EN|FR

2009-09-27T19:29:00.004Z

Photo Credits: Rodrigo Valero Puertas

Antonio Pedro Lopes

PT

Performer e criador de espectáculos, Antonio Pedro Lopes nasceu nos Açores em 1981. É actualmente nómada e trabalha internacionalmente.
Depois de se licenciar em Estudos Teatrais na Universidade de Évora, concluíu o Curso de Pesquisa e Criação Coreográfica do Fórum Dança no Porto, 2005-2006. Estudou Teatro Musical no Novo Mexico, EUA. Várias bolsas de estudos levaram-lhe a Nova Iorque, Milão, Lisboa, Paris e Viena para continuar os seus estudos em dança e teatro.
Desde 1998, trabalhou entre muitos outros em projectos de Miguel Pereira, Jérôme Bel, João Fiadeiro e da Companhia Virgule Performing Arts no Irão. Em 2008 co-criou "TOUT COURT", um projecto iniciado por Tommy Noonan no PVC Tanz| Stadtheater Freiburg, na Alemanha, actualmente em digressão internacional e juntou-se a Marco Berrettini| MELK PROD para a criação de "I FEEL" (estreia Dezembro 2009, Genebra) e "SI, viaggiare"(estreia 2011).
Os seus próprios espectáculos são: ……………………………"( 2004) ; "entre tanto"(2006) ; desculpa não ter dito anda antes e não dizer nada agora, é que faz muito tempo que não digo nada a ninguém (2006), GO SOLO! (2007) e « Holding on to nothing with everything I’ve got » (Porto, 2008). O seu trabalho é episódico e dá-lhe a sensação de a cada momento pertencer a uma esfera mais alargada e estar quase sempre inacabado. Trabalha no limite da sua formação indisciplinada, deformação e não definição. O teatro transforma-se numa arena de paradoxos onde ele testa a reescrita da sua biografia e transformar a sua experiência de vagabundo viajante em ficção.
"I WANT MORE FANS, YOU WANT MORE STAGE!", um espectáculo em colaboração com Guilherme Garrido estreou no Festival da Fábrica, no Porto, em Maio 2008.
Colaborou com Marianne Baillot nas criações "StoneWashed"(2008) para a Companhia Instável e "Razzle Dazzle" (2009) para o Festival da Fábrica.
Ensina regularmente workshops de pesquisa em diferentes contextos e instituições em Portugal, França, Suécia e Holanda.
Depois de ter participado em Skite/ S& T PAF 2007, partilhou a direcção artística de Skite/S&T Porto 2008 com Guilherme Garrido e Jean Marc Adolphe no Teatro Nacional São João, e dirigiu com Marianne Baillot o projecto "Conclusions for the Future" no Espaço do Tempo, em Montemor-o-Novo. (www.sweetandtender.org).
Canta, toca e escreve nos Sing Songs (myspace.com/ohmysingmeasong) com Anja Muller & Guilherme Garrido.
Em 2009, inicia a criação de LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME(estreia Setembro 2010) em colaboração com Monica Gillette com mostras no Balleteatro (Porto) e CaSa (Forum Prisma, Oaxaca, Mexico) e participou no projecto "Transformers" de Eszter Salamon, apresentado no CENART, na Cidade do México, em Julho.

EN

Portuguese independent performer and performance maker Antonio Pedro Lopes was born in the Islands of the Azores in 1981. He's presently nomadic and works internationally.

He holds a degree in Theater Studies, University of Evora and a professional diploma in Choreography from Forum Danca, Porto 2005-2006. He studied musical theater at Capital Academy of Performing Arts in Santa Fe, NM, USA and several scholarships have taken him to New York City, Milan, Lisbon, Paris and Vienna to continue his studies in dance and theater.

He's performed for theater and dance since 1998 for and with Miguel Pereira, Jérôme Bel,João Fiadeiro, Tommy Noonan among many others. In 2008, he performed "7 commandments for being contemporary" (Fadj Festival, Tehran) and "find the way! (IFEA, London) with Iranian Virgule Performing Arts Company and he joined MARCO BERRETTINI|*MELK PROD for the creation of "I feel"(premiere in Geneva, December 2009).

His own performance works are .............................(Lisboa 2004); entre tanto(Porto 2006), desculpa não ter dito anda antes e não dizer nada agora, é que faz muito tempo que não digo nada a ninguém (Guimarães 2006), GO SOLO! ( Porto 2007) and holding on to nothing with everything i've got(Porto 2008).His work feels to him as episodic as of part of a larger feature, it is maybe why it feels to him as rather and always unfinished. It exists in the edge of his undisciplined formation, deformation and un-definition. The space of the theater is turned into a paradoxical arena in which he tests re-writing his autobiography and turning the experience of a vagabond life into fiction.

"I WANT MORE FANS, YOU WANT MORE STAGE!" a performance collaboration with Guilherme Garrido was premiered at Festival da Fábrica in Porto (2008). He presently develops LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME a new collaboration with American dancer| editor Monica Gillette to premiere in late 2010. He often works and collaborates with French Dancer|Choreographer Marianne Baillot.

He's been teaching research workshops in Portugal, France and Holland in several different institutions and contexts.

After participating in Skite/S&T PAF 2007, Antonio shared the artistic direction of S&T/Skite Porto 2008 with Guilherme Garrido and Jean Marc Adoplhe and curated Conclusions for the Future with Marianne Baillot in Espaço do Tempo, Montemor-o-Novo, Portugal.

FR

Performeur portugais indépendant et auteur, Antonio Pedro Lopes est né aux Azores en 1981. Il vit comme nomade et travaille internationalement.
Il est diplômé de l’Université d’Evora en d’Etudes Théâtrales et il a un diplôme professionnel de Chorégraphie de Forum Dança, Porto 2005-2006. Il a étudié la comédie musicale à New Mexico, Etats-Unis. Diverses bourses lui ont permis d’aller à New York, Milan, Lisbonne, Paris, Vienne pour parfaire ses études de danse et de théâtre.
Depuis 1998, il a participé aux projets de Miguel Pereira, Jérôme Bel, João Fiadeiro entre autres. En 2008, il a joué dans « 7 commandements pour être contemporain »(Fadj Festival, Tehran) et « Find the way ! » (IFEA, Londres) avec la compagnie irannienne Virgule Performing Arts Company, et co-écrit et joué dans TOUT COURT, un projet initié par Tommy Noonan au sein de PVC Tanz Freiburg Stadtheater, Allemagne. Il a rejoint MARCO BERRETTINI|*MELK PROD pour la création de « I feel » ( Première à Genève en décembre 2009).
Ses propres performances sont : adoptedadapted (2003) ; ………(2004) ; entre tanto(2006) ; desculpa não ter dito anda antes e não dizer nada agora, é que faz muito tempo que não digo nada a ninguém (2006) and GO SOLO! (2007) and « Holding on to nothing with everything I’ve got » (Porto, 2008). Son travail lui donne le sentiment d’être occasionnel au point d’appartenir à un sens plus large et cela explique peut-être pourquoi ce dernier lui semble être plutôt et certainement non-finit. Ce travail existe à l’image de sa formation indisciplinée, sa déformation et sa non-définition. L’espace du théâtre se transforme en une arène paradoxale où la réécriture de son autobiographie est sans cesse testée et où l’expérience d’une vie errante se change en fiction.
"I WANT MORE FANS, YOU WANT MORE STAGE!", une performance en collaboration avec Guilherme Garrido a été joué au Festival da Fábrica, à Porto, en 2008.
Il développe en ce moment LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME une
nouvelle collaboration avec Monica Gillette, danseuse et édictrice américaine dont la première sera fin 2010.
Il travaille souvent avec Marianne Baillot, danseuse et chorégraphe française.
Il a enseigné des workshops de recherche au Portugal, en France et en Hollande dans divers contextes et institutions.
Après avoir participé à la résidence Skite/Sweet&Tender PAF 2007, Antonio a partagé la direction artistique de Sweet&Tenter/Skite Porto 2008 avec Guilherme Garrido et Jean-Marc Adolphe (http://www.sweetandtender.org/.
Il est membre du projet THE SING SONGS (www.myspace.com/ohmysingmeasong) avec Anja Muller & Guilherme Garrido.

holding on to nothing- workshop participant testim

2009-09-27T19:22:00.003Z

holding on to nothing- workshop participant testimonials
Enviado por antoniopedrolopes. - Videos Independentes

Brevemente, num palco perto de si 04.09.2009 - Kathleen Gomes

2009-09-13T17:54:00.001Z

Brevemente, num palco perto de si

04.09.2009 - Kathleen Gomes

Não se pensa nisso quando estamos sentados no nosso conforto de espectadores, mas se existe essa coisa a que chamamos "rentrée" é porque alguém andou a trabalhar em Agosto. Fomos espreitar o "work in progress" de criadores em residências artísticas, de Aveiro a Faro

1. Um solo (Italians do it better)

15 de Agosto, e tinha logo de ser sábado. Uma hora depois de Lisboa, as três faixas da A2 deslizam em primeira para sul. Carros com a casa às costas, pára-arranca, um sol de Satanás. Até quando parte de férias, o país faz fila. O plano é (era) chegar a Faro pelo meio-dia, mas quem é que estamos a tentar enganar.

Descontando as esplanadas dentro da cidade velha e dois casamentos, Faro é uma mansidão - está tudo na praia, ou está tudo à espera que o calor recue. À porta do xadrez multicolor que é o Centro de Artes Performativas do Algarve (CAPA) está um rosto de Lisboa, o actor Martim Pedroso, e pouco depois aparecem os outros, para fumar ou simplesmente ver a luz do dia: os italianos Stefano Mazzotta e Emanuele Sciannamea, e uma trança, Chiara Michelini, sorriso generoso, tímida no trato. O actor português e a companhia italiana Teatrofficina Zerogrammi estão em residência artística no CAPA - o Ípsilon apanhou-os sensivelmente a meio das suas duas semanas de estadia em Faro. Se existe essa coisa a que chamamos "rentrée" é porque alguém andou a trabalhar em Agosto. Agosto porque a criação, ao contrário das outras actividades, não tem 40 horas semanais e subsídio de férias; Agosto porque é quando as pessoas estão mais disponíveis para se juntarem; Agosto porque toda a gente foi de férias e a cidade está vazia; Agosto porque dependem da boa-vontade dos outros - estruturas como o CAPA, que fazem das residências artísticas a sua razão de ser.

É um trabalho quase invisível, mas alguém achou que tinha de o fazer: acolher artistas em fase de criação - acolhimento a sério, com todas as letras, no caso do CAPA: casa, cama e alimentação. Sem exigir grandes contrapartidas, e assumindo os custos do processo criativo de um espectáculo que se estreia quase sempre noutro sítio qualquer. Têm as portas abertas a artistas ou colectivos sem local próprio de produção, ou com local de produção mas outras exigências de espaço. E, salvo algumas excepções - o Centro de Residências Artísticas de Nodar, junto a S. Pedro do Sul, ou o Núcleo de Experimentação Coreográfica (NEC), no Porto -, estas estruturas com um calendário regular de criadores residentes não estão fechadas em Agosto. É porque há quem trabalhe que estamos a caminho do Algarve quando os outros vão de férias.

"Se tivesse de pedir uma residência ao CAPA, não pedia nesta altura do ano sabendo que podia dar um mergulho ali ao lado", ri-se José Laginha, ideólogo e director daquele espaço. Acrescentando de imediato que o regime de trabalho de quem ali chega é intenso. "Ninguém faz fins-de-semana. Os últimos que cá estiveram não tiraram um único dia para descanso." O CAPA tem a praia aqui tão perto, mas não é uma colónia de férias. "A questão de estarmos no Algarve... eu próprio não exploro isso, não há qualquer referência no 'site', diz José Laginha.

Mas os italianos e Martim Pedroso têm andado pela praia, e exibem as provas: fotografias tiradas na Ilha Deserta, ao largo de Faro, que são uma espécie de "storyboard" do vídeo que vai integrar o terceiro espectáculo da companhia Teatrofficina Zerogrammi, intitulado "Mappugghje". Quatro rapazes (faltava o dramaturgo Fabio Chiriatti, que entretanto desceu à "black box" do CAPA, onde nos encontramos) estão a trabalhar para que uma rapariga dance: "Mappugghje" é um solo de Chiara Michelini. O projecto inspira-se na "Odisseia", mas do ponto de vista de Penélope e da sua "espera de um homem que nunca mais chega", explica Martim, que colabora na construção da personagem.

O actor português está a trabalhar em Itália graças a uma bolsa do Ministério da Cultura - o programa Inov-Art, inaugurado este ano, que financia estágios internacionais na área das artes e da cultura -, e os Teatrofficina Zerogrammi vieram parar a Faro graças a um subsídio do Ministério da Cultura italiano ("Movin' Up") para promover a mobilidade internacional dos seus jovens artistas.

"Mappugghje" foi iniciado em Fevereiro. Antes de vir para Faro, o grupo tinha um solo de 15 minutos numa cadeira. Estamos a vê-lo agora: dança, teatro e mímica ligados como argamassa. A música é dolente, mas Penélope revela uma fisicalidade de desenho animado. Tiques nervosos, actos histéricos, uma mão que escorrega no joelho e leva o corpo atrás.

Nota de intenções desta companhia de Turim: "restituir à dança a sua leveza". Na base das suas coreografias está uma espécie de teatralidade das pequenas acções, banais e quotidianas: uma gota de água, uma folha que cai, a maneira de pegar numa chávena de café. O próprio título do espectáculo, "Mappugghje" (não experimentem pronunciar isto em casa) significa, no dialecto salentino (falado na região de Puglia, de onde Stefano e Emanuele provêm, no salto da bota que é Itália), coisas de pouco valor, sem importância.

O espectáculo entra agora na segunda fase de criação, no CAPA. A companhia procura expandir o solo, desenvolver a acção num espaço maior, além-cadeira. A vinda para Faro já teve consequências, contaminou o projecto. Tinham imaginado um "huis-clos", uma pequena casa de dois metros quadrados, como cenário do vídeo, mas não resistiram a dez quilómetros de praia deserta e ao fenómeno das marés na Ria Formosa - metáforas em potência para a história de Penélope. Amanhã é domingo, mas trabalha-se: a partir das cinco da manhã vão filmar na cidade velha.

"Mappugghje" tem ante-estreia marcada para Nápoles em Abril.

2. Um duo (são precisos dois para um solo)

A funcionar regularmente desde Novembro do ano passado, o PerFormas está situado no antigo Teatro Avenida, em Aveiro, um edifício dos anos 50 que foi uma sala de cinema até meados da década de 80. Um lugar histórico, palco da oposição anti-salazarista, como assinala a placa que não vimos à entrada e só vemos à saída. Hoje é ocupado por vários estabelecimentos comerciais - a porta do PerFormas surge entre um banco e uma loja de roupa. Entra-se num elevador que só pára no piso do PerFormas - parece deliberadamente idealizado para evitar qualquer ligação com o resto do edifício. Café-concerto e zona lounge refeitos da noite passada, é aqui que esperamos que Ludger Lumers e Jorge Gonçalves façam um intervalo.

Ana Rocha, produtora, vem à frente, explicar o essencial: Ludger e Jorge nunca tinham trabalhado juntos antes, e os dois coreógrafos e intérpretes estiveram três meses, entre Fevereiro e Maio, a preparar o projecto na Fábrica da Rua da Alegria, no Porto. Em Julho houve uma apresentação informal em Berlim, na Tanzfabrik. Já não é o espectáculo que estamos a ver porque em Berlim havia um violoncelista em palco. Agora são só os dois intérpretes dentro de uma oval, aparelhos analógicos (giradiscos com um resto da "Carmina Burana", aparelhagem para gravar e fazer "rewind", um mini-leitor de cassetes) e uma câmara a filmar em tempo real - em Aveiro começaram a experimentar com o vídeo. Ludger, alemão, integrou a companhia de Olga Roriz nos anos 90, Jorge Gonçalves tem uma história comum com o Balleteatro. Chamaram à sua colaboração "Antoine": se é suposto ser um dueto, eles dançam muito sozinhos (e vão muito ao chão), um sem o outro. Se é suposto ser um dueto, quem é "Antoine"? "Uma figura que não está lá. Mas pode ser um de nós", diz Jorge Gonçalves. "Conhecemo-nos e tivemos vontade de fazer qualquer coisa juntos. Nunca houve a intenção de fazer um dueto - queríamos criar qualquer coisa a par um do outro, não necessariamente um com o outro", explica Ludger Lumers. "No espectáculo, podemos ser uma pessoa como podemos não ser nenhuma. Se calhar, isto é um solo com duas pessoas."

Depois de Aveiro, a dupla vai estar em residência no CAPA. Ao contrário deste, o PerFormas não oferece alojamento aos artistas (Ludger e Jorge ficam em casa de amigos), mas apenas o espaço de trabalho - uma sala-estúdio equipada e com 120 lugares, onde também apresenta a sua programação. Como contrapartida, o espectáculo é depois ali apresentado. "Antoine" terá aqui a sua estreia, a 6 e 7 de Novembro. As residências têm como objectivo "proporcionar o encontro da população com as artes performativas contemporâneas", explica Filipe Pereira, director artístico. Que tem planos mais ambiciosos para as residências - interacção maior com a comunidade local, acções de formação, encontros informais com o público - mas "ainda é cedo". O PerFormas está só a começar.

3. Três trios (e um triângulo)

- Ora aqui está um rico trio.

Podíamos ser nós a dizê-lo, mas são eles, o trio. Uma actriz de teatro, uma actriz de cinema e um bailarino avançam para nós de olhar fixo, com movimentos de tai-chi e uma espécie de "plié". É intimidante, sobretudo porque somos a única assistência, e não necessariamente porque Elsa Aleluia foi buscar inspiração ao cinema de terror. Hoje ela tem uma t-shirt com uma teia de aranha. "Che Cosa" chama-se o espectáculo em desenvolvimento, que vive de "situações no limite do acontecimento", de lançar expectativas no espectador. O terror tinha de estar nisto - Elsa e os seus intérpretes, Ana Moreira ("Os Mutantes", "A Corte do Norte") e Miguel Ramos, viram "Repulsa", "Evil Dead", "The Grudge" - porque o terror alimenta-se da formação de uma suspeita. "E de repente passa o gato e já não é nada", diz Elsa Aleluia. "Che Cosa", que irá integrar o Festival Temps d'Images, será inteiramente criado em residências: Buenos Aires primeiro (só Elsa), Re.al e Eira, ambos em Lisboa, e PerFormas, onde irá estrear em Outubro. Mas uma residência em Lisboa - por exemplo no estúdio da Re.al, que o Ípsilon foi espreitar a 14 de Agosto - não é o mesmo que uma residência fora de Lisboa. "Há sempre o voltar o casa, não desligas totalmente do teu quotidiano", nota Elsa Aleluia. "E é importante criar pequenos distanciamentos." A mudança de cenário, o nomadismo das residências tem algum efeito sobre o acto criativo? "Aqui ajuda. Porque é um espectáculo que vive de um quase instalar-se e de fuga."

"Há momentos em que é importante tirar as pessoas do seu habitat normal para poderem estar completamente dedicadas ao trabalho", diz Maria Ramos, bailarina e coreógrafa. "Para alguns intérpretes pode ser claustrofóbico. No meu caso é óptimo. Há mais disponibilidade mental para o trabalho".

Desde os anos 80 que o primeiro andar do edifício dos vetustos Bombeiros Lisbonenses, junto ao Marquês de Pombal, em Lisboa, está entregue à dança contemporânea. Foi o estúdio da Companhia de Dança de Lisboa, fundada por Rui Horta, e desde 1997 é ocupado pela Eira, que tem um programa de residências.

É onde está Maria Ramos, e o seu trio de intérpretes femininas. Uma caixa branca, com um espelho barroco e portadas abertas para o ruído da rua. As três bailarinas estão dispostas como um triângulo - uma à frente, duas atrás, de cada lado - e executam movimentos mecanizados, ao ritmo das palavras que proferem. Três troncos estáticos, como se tivessem criado raízes. Maria Ramos explica que tentou concentrar todo o movimento na região do tronco, o que é uma ideia "quase anti-coreográfica": como é que elas dançam se estão paradas? A inspiração para "Nerves Like Nylon" veio do escultor Antony Gormley e do seu princípio paradoxal de que o estatismo pode expressar movimento. Maria está a tentar traduzir isso num contexto coreográfico, o que também já esteve na base do seu mestrado no ArtEZ Institute of Arts, na Holanda. Em "Nerves Like Nylon" há ainda Beckett, autor do texto verbalizado pelas intérpretes ("Not I"), e os Bauhaus, autores da canção "Nerves", de 1980 (uma espécie de "vampire rock", com sons industriais), que serve de banda sonora e de título à coreografia. No próximo dia 12, haverá uma apresentação informal na Eira, para que programadores e directores artísticos possam ver o espectáculo ao vivo. "Um DVD não chega", diz Maria Ramos. "Nerves Like Nylon" não tem ainda data ou local de estreia. A coreógrafa gostava de apresentá-lo em contexto de "black box" mas também numa galeria. No final deste mês, a residência prossegue na Holanda, só com Maria Ramos, o sonoplasta e o designer de luz do espectáculo, e no final de Outubro a equipa inteira reúne-se pela primeira vez no CAPA, em Faro, durante duas semanas.

É aí que se encontra outro trio, dois pisos acima dos italianos do Teatrofficina Zerogrammi. Era para ser um trio, mas não este trio: Marlene Freitas tinha pensado em três intérpretes masculinos, mas um deles não chegou a aparecer. Criar é resolver problemas. Entrou ela. Um livro de Brecht no chão de madeira luzidia, cadernos de apontamentos, uma garrafa de água e os três à volta. Marlene decidiu coreografar "Baal", obra de juventude de Brecht sobre um poeta bêbedo e fora-da-lei, mas, diz ela, não é assim tão importante saber que peça é. No entanto, os três puseram-se a memorizar o texto, como actores. Não para dizê-lo em cena, mas porque isso irá definir "o ritmo" do espectáculo. "Atribui ao texto a escolha em vez de sermos nós", justifica.

O trio começa a mover-se em círculo dentro de um espaço delimitado - uma baliza feita com fita adesiva preta da parede ao chão do estúdio. É um desfile algo trôpego, como se fossem brinquedos avariados: Luís Guerra robótico, Alex Jenkins esguio, Marlene tribal. Ela quer que a dança seja feita "dentro de uma caixa, à boca de cena, muito perto do público", daí a fita preta. O espectáculo vai chamar-se "A Seriedade dos Animais", expressão retirada de um texto de Brecht sobre "Baal", e vai ser mostrado num ensaio aberto no Estúdio Bomba Suicida, em Lisboa, no próximo dia 12. Ainda não é a estreia: essa é dia 26, na Box Nova do CCB. Em Março, irá a Vanves, nos arredores de Paris. Hoje é o último dia de uma residência de duas semanas no CAPA. "Também gosto de trabalhar em Lisboa, mas é diferente. Aqui o tempo passa mais devagar", diz Marlene. "E temos um tempo de convívio, para além do trabalho. Estávamos a falar disso: passámos 15 dias sempre juntos..."

Quarta-feira, 19 de Agosto - mas vamos fingir que é noite de S. João, porque é nessa noite que tudo acontece em "Menina Júlia", a versão de Strindberg da luta de classes e da guerra dos sexos. O interior do Negócio, sala que pertence à Zé dos Bois, no Bairro Alto, em Lisboa, é completamente preto, com duas entradas de luz do lado direito, tão branca que quase cega, mas ainda é preciso acender luzes. Menina Júlia (Ana Brandão) põe o telemóvel a carregar antes que tudo comece. O som do eléctrico entra pelas janelas, rivalizando com a voz dos actores.

A estreia de "Menina Júlia" está marcada foi anteontem, o que "pressupunha ensaios em Agosto", explica o encenador, Bruno Bravo, do grupo de teatro Primeiros Sintomas. Há quem goste de ir para fora em residência e ele reconhece vantagens nisso: "Uma vez alugámos uma quinta no Norte. Passámos uma semana a dormir e a comer lá. Permitiu-nos estar muito focados na peça que estávamos a fazer. Quando voltámos, já tínhamos descoberto o tom do espectáculo, foi só ensaiá-lo. A vantagem é que não tens nada que te disperse." Mas Bruno Bravo prefere ensaiar no lugar onde o espectáculo vai ser apresentado, como é o caso agora. "Desde o início, ajustas-te ao espaço. Isso facilita muito." E ainda estamos a falar de uma residência? "É uma espécie de residência dentro do espaço onde vamos apresentar. A ZdB cede-nos o espaço, o equipamento, trata da divulgação. No fundo, é uma coprodução que não se traduz em dinheiro."

4. 4+1

"Smoking is only allowed in the cloisters", diz o aviso à porta de um dos estúdios do Espaço do Tempo, o centro de criação que o coreógrafo Rui Horta fundou num convento de monjas do século XVI em Montemor-o-Novo, num Alentejo a uma hora de Lisboa. Deve ser dos espaços mais bonitos em Portugal para residências artísticas. Um convento meio abandonado, meio restaurado, com vista desalmada sobre a cidade, laranjeiras no pátio, uma capela forrada a azulejo que já esteve entregue à passarada. No estúdio do celeiro, com janelas para um olival à míngua de água e trovoada ao fundo, António Pedro Lopes, que já dançou com Jérôme Bel em "The Show Must Go On", está a voltar a um momento que tinha ficado, como ele diz, "fechado numa gaveta". Uma peça do passado, "Desculpa não ter dito nada antes e não dizer nada agora", apresentada em 2006 no Porto e em Guimarães, mas que estava por concluir.

Na base do projecto está a experiência de perda num espaço familiar, e António diz que, originalmente, criou uma peça "com falta de ar". "Passaram quatro anos e eu não sou a mesma pessoa", explica. Diz que hoje existem nele "uma ironia crónica" e "uma esperança enorme" e isso faz toda a diferença neste "exercício de reescrita". Continua a ser uma peça de corpos na redoma da sua solidão, mas o autor diz que quer trabalhar "uma temática tão abstracta como é a esperança": as quatro figuras iniciais vão ser perturbadas pela chegada de um novo elemento, "uma espécie de Godot ou D. Sebastião", "quase como se caísse um raio".

O tempo começa a mudar: a trovoada está mais perto, as janelas batem, o vento entra e muda as coisas de lugar. Uma nota de cinco dólares solta-se da agenda de António Pedro Lopes, esvoaça como uma borboleta. António Pedro Lopes está no Espaço do Tempo pela terceira vez, a primeira como criador. Faz das residências artísticas um modo de vida: só este ano, já passou por Paris, pela Re.al, pelo Balleteatro e o Primeiro Andar, no Porto, pelo Teatro Micaelense, em Ponta Delgada, Los Angeles, e Oaxaca, no México. Diz que as residências são "casas emprestadas". "Não é a tua casa, mas é a tua casa durante duas semanas." Há uma "mistura" de tempos, o do trabalho e o pessoal. "Sobes as escadas e está ali a tua cama, está ali a tua t-shirt limpa. Aqui mistura-se tudo. Há uma intensidade, um condensar de uma experiência que não existe num espaço de trabalho normal."

Se não fossem as residências, talvez não houvesse uma montadora de "Os Sopranos" no estúdio. António conheceu Monica Gillette - CV dividido entre a dança e Hollywood, o que pode impressionar, mas para esta americana o paraíso é o sistema europeu de residências artísticas, inexistente nos EUA - há dois anos em França e desde então têm colaborado juntos em projectos alheios ou próprios. "Desculpa não ter dito nada antes (...)" só deverá estar terminado no próximo ano, mas, num dos últimos sábados de Agosto, António Pedro Lopes decidiu fazer uma apresentação informal do trabalho em progresso no Espaço do Tempo. É uma forma de obter "feedback", ou de ter potenciais programadores a assistir. "Há criadores muito privados, ficam frágeis, não conseguem mostrar o trabalho antes" de estar concluído, diz Rui Horta. "Mas há outros que necessitam do confronto, precisam de ouvir." O coreógrafo chama-lhes "espectáculos no fio da navalha". Podem ter imperfeições, mas "é uma coisa mágica", garante. Em Aveiro, a produtora Ana Rocha dizia-nos: "Tudo o que está dentro do começar e acabar [um espectáculo] é o mais interessante".

Nós, espectadores, andamos a perder alguma coisa.

Expresso, 22 de Agosto de 2009| Por Cláudia Galhós

2009-09-02T00:24:00.002Z

GO SOLO!- António Pedro Lopes- 2007

2009-08-27T22:06:00.002Z

GO SOLO!- António Pedro Lopes- 2007
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Performance: Antonio Pedro Lopes
Assistência e Vídeo: Olga Belchior
Mostra Show Rooms- Festival da Fábrica
Maus Hábitos, Porto 2007

O meu coração é bomba relógio. Estou mais vivo do que nunca, tão perto de tropeçar e estragar tudo. Sinto que ás vezes me sinto só. Oiço-me a ouvir e vejo-me a ver. Sinto que sinto que a linguagem e a sua percepção se completam nas pontuações das frases, na guerra dos mundos, no desentendimento e na imprecisão da tradução. Leio-me a ler o exercício da distorção, do devaneio, do regresso à subjectividade e da reescrita das verdades sem os segredos mortos do passado. Sozinho e ciente do ponto de fuga, mais um projecto contado como um erro desafinado. Há sempre a possibilidade de sintonia, se aplicar algumas regras: ri-te com a tragédia; chora quando é uma comédia; aceita os momentos de crise; sublima na composição esse corpo crítico que é atleta do paradoxo e portador da história de uma vida e da herança das educações das demais. Vivo e presente, aqui agora e antes em crescendo, depois aos bocados. Entre esses lugares pode dar-se uma paragem, uma passagem, um salto ou um ataque de ansiedade daqueles que fazem perder o fio à meada. Estarei à procura de reunir as partes do todo e todas as partes em um. Partes que tanto se unem como se partem nos constantes reinícios e nos finais inesperados.
Corpo em três partes:
- Estruturado para existir ficticiamente;
- Atravessado pela transversalidade da sua constante errante incerteza;
- Com uma inequívoca vontade de agora poder avançar só.
António Pedro Lopes, Lisboa, 23 de Janeiro de 2007

holding on to nothing with everything i've got-200

2009-08-27T11:03:00.002Z

holding on to nothing with everything i've got-2006
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".................................."António Pedro Lopes 2004

2009-08-26T11:52:00.003Z

".................................."António Pedro Lopes 2004
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Entre tanto

2009-08-24T00:53:00.002Z

O projecto Em torno foi concebido e coordenado pelo artista plástico André Guedes a convite do NEC, no âmbito da XI edição dos Quadros de Dança em 2006

entre tanto

a street performance by
António Pedro Lopes

with the performers: Ana Lúcia Cruz, Marlene Vilhena e Vera Mota

in Rua de Entre Quintas (entrance Museu Romântico / Solar do Vinho do Porto)

July 8, 2006

entre tanto entretanto entre em torno entre quintas entre tintas entre muros entre vistas entre a Biblioteca e Massarelos entre o Palácio e o Douro entre territórios entre tantos desejos entre público e privado entretenimento entre referências entre inscrição e projecção entre evidência e associação entre discursivo e performativo entre citação e apropriação entre vinho e água entre ausências e paredes brancas entre amigos, artistas, curiosos, grafitters, passageiros, vizinhos, empregados da Câmara entre sexta e domingo entre antes e agora entretanto eu entre tanto... APL

Desculpa não ter dito nada antes...

2009-08-14T03:03:00.002Z

Desculpa não ter dito nada antes...
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Desculpa não ter dito nada antes e não dizer nada agora, é que faz muito tempo que não digo nada a ninguém, Teatro Oficina, Guimarães, Portugal, Set06

2009-08-14T00:57:00.007Z

Photo Credits: Guilherme Garrido.

Gestos cortados que são tentativas de comunicação. Parâmetros, parâmetros para tudo...
Ocupar-se, ocupar-se… Uma urgência de explosão. Diálogos passageiros. Silêncios vários.
Zonas de desconforto. Ar de luto. Desculpa não ter dito nada antes… Danças de isolamento.
Todas as vontades para o mesmo fim. Processos de adaptação dolorosamente lentos. Choques
que são relações de poder, amor e ajuda. Elevação da solidão. Actos viciantes de
esquecimento. Beatas de cigarros, cinzas, copos vazios, copos partidos, olhares no chão,
conversas caladas. Sonhos, vontades, tudo…congelado! Esquecer como numa distração. Existir
para os outros, estar presentes. Esperamos sempre mais um pouco por uma demonstração de
amor. Desejamos possibilidades impossíveis. Temos sede, temos esperança. Há silêncios que
dizem muito. Nada. Desculpa não dizer nada agora. As presenças são esvaziadas em turbilhão
e transformadas em ausências, vultos, sombras. Nada. Silêncio. O silêncio é uma liberdade ou
um incómodo? Acabar em si, consigo próprio. Poder acreditar que alguma coisa vai mudar.
Esperar, desesperar. Surpreender-se com as suas metamorfoses e com as dos outros no
espaço circundante… Suster a respiração, controlar-se, insultar-se, fechar-se nos seus próprios
segredos. Ter medo que não chegue ninguém. Ninguém! Perder energia, consumir-se em
expectativas, surpreender-se com a novidade, adoptá-la, adaptar-se a ela, desiludir-se com ela
ou aceitá-la. A sede provoca perdas constantes do nível normal da realidade. Que sede é esta
que nos inquieta? Conhecer-se porque se assiste a si próprio, à sua condição. A sua condição
além de qualquer representação. A sua condição em confronto com as ausências e fantasmas,
os monstros do presente e os silêncios de quem não diz nada a ninguém há muito
tempo…Interessam-me aquelas situações em que as pessoas perdem o controlo total sobre a
situação na qual estão metidas, e onde são obrigadas a relaxar ou a desistir e a
impreterivelmente confrontar-se com o abismo de um antes e de um depois. Como numa
catástrofe, num estado de exaustão física ou mental, de desespero emocional ou excitação, ou
de actividade massiva. Todas as forças incontroláveis dentro ou fora delas, às quais tem que
responder imediatamente e de uma forma institiva de modo a encontrarem um novo equilíbrio e
a sobreviverem. Nessas situações carregadas de drama às vezes num curto e repentino flash
tudo se liga. Também acho que estas situações extremas podem elucidar algo sobre a forma
como nos comportamos em situações normais, e sobre o quanto nos relacionamos e
dependemos da nossa experiência e escolhas em estímulos exteriores e situações sociais.

António Pedro Lopes

We are all gonna die Video by THE SING SONGS

2009-08-05T19:56:00.001Z

We are all gonna die Video by THE SING SONGS - MySpace Video

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Scout Niblett - We're All Gonna Die

2009-08-05T01:50:00.001Z

LIFE ON EARTH

2009-08-05T01:44:00.003Z

IN HOMMAGE TO :

DASH SNOW

FARRAH FAWCET

PINA BAUSCH

MERCE CUNNINGHAM

MICHAEL JACKSON

THE MAN THAT DROWNED IN THAT BEACH IN MEXICO

THE MAN THAT COMMITED SUICIDE ON THE TRAIN TO PORTO AT THE ENTRANCE OF ESTARREJA.

I JUST FINISHED THIS LIST AND I CANNOT REALLY BELIEVE IT.

PLEASE REST IN PEACE.

ALL MY LOVE, RESPECT AND HOMMAGE FROM THIS HUMBLE VIRTUAL WALL.

Jens Lekman - We're All Gonna Die

2009-08-05T01:43:00.001Z

Dash Snow

2009-08-05T01:37:00.002Z

Farrah Fawcett

2009-08-05T01:29:00.002Z

Farrah Fawcett - Raquel Welch
Enviado por NYcity34. - Veja outros filmes e emissoras de televisão em video

Pina BAUSCH

2009-08-05T01:25:00.002Z

The Man I love - Pina BAUSCH
Enviado por birdy66. - Videos Independentes

"Split Sides" Merce Cunningham, Radiohead & Sigur Ró

2009-08-05T01:23:00.002Z

"Split Sides" feat. music by Radiohead & Sigur Rós
Enviado por microcinema. - Videos Independentes

Michael Jackson & janet jackson

2009-08-05T01:15:00.002Z

Michael Jackson - Scream
Enviado por kellyfan42. - Ver os últimos vídeos de musica em destaque

aliens among their kindred

2009-06-18T13:19:00.000Z

I have an idea that some men are born out of their due place.

Accident has cast them amid strangers in their birthplace,

and the leafy lanes they have known from childhood

or the populous streets in which they have played,

remain but a place of passage.

They may spend their whole lives aliens among their kindred

and remain aloof among the only scenes they have ever known.

Perhaps it is this sense of strangeness that sends men

far and wide in search for something permanent,

to which they may attach themselves.

Perhaps some deep-rooted atavism urges the wanderer

back to lands which his ancestors left in the in the dim beginnings of history.

Sometimes a man hits upon a place to which he mysteriously feels that he belongs.

Here is the home he sought, and he will settle amid scenes that he has never seen before,

among the men he has never known,

as though they were familiar to him from his birth.

Here at last he finds rest.

-from The Moon and Sixpence

by W. Somerset Maugham, 1919

JL- Jornal de Letras, Artes e Ideias, Nº 1001, Novíssimos, "Antonio Pedro Lopes, Nómada" por Marta Pais Lopes

2009-06-12T12:01:00.005Z

Guilherme Garrido & António Pedro Lopes em I WANT MORE FANS YOU WANT MORE STAGE, Festival da Fábrica, Porto 2008

may 28| ccnmontpellier|wip showing

2009-05-24T00:25:00.002Z

iFeel may 28| ccnmontpellier|work-in-progress showing

création 2009, pièce choréphile pour 6 interprètes

"L'ire se fait rare. Au début, donc, n'était pas le Verbe - mais le cri, la vocifération, le hurlement,

l'imprécation, lafurie, la gesticulation d'un coprs déchaîné, l'expression d'un visage hâve, noir ou rubicond,

qui, bouche écumante, yeux révulsés ou filminants, jette à l'entour feu et flammes. Au début était la Colère.

Elle est au premier vers du premier chant de l'Iliade - soit à "la première phrase de la tradition européenne" :

"Chante-nous, déesse, la colère d'Achille".

Peter Sloterdijk - Colère et temps

Faut-il être en colère pour créer, aimer, penser et donc exister ?

Le projet iFeel naît du désir de pouvoir imaginer un spectacle qui parle de ce thymos, cette colère qui est

"au-délà du ressentiment", en espérant que Colère et temps de Peter Sloterdijk puisse se transformer en

danse.

Il me semble que la colère n'est pas soumise à la psychologie ou à la crainte de Dieu, mais qu'elle est guidée

par des règles, les mêmes qui régissent la danse. Force, temps et espace. Rythme enfin. Et si la colère est

réprimée par la société, ceci veut simplement dire que nous réprimons un espace vitale de notre vie.

Marco Berrettini pour *MELK PROD.

Chorégraphie : Marco Berrettini, Carine Charaire, Chiara Gallerani
Interprétation : Jean-Paul Bourel, Laetitia Dosch, Nedjma Merahi, Deborah Coustold Chatelard, Antonio Pedro Lopes, Sébastien Chatellier
Musique : Samuel Pajand
Scénographie : Bruno Faucher et *MELK PROD.
Durée : 105'

Production : *MELK PROD.
Coproduction en cours : Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon
Avec le soutien de Pro-Helvetia, Fondation suisse pour la Culture, de l'ADC-Association pour la dansecontemporaine à Genève, et l’aide du Centre chorégraphique national de Franche Comté à Belfort, de EPPGHV/La Villette à Paris, du Canton de Genève-DIP, de la Ville de Genève-Département Culture, de la Commune dePetit Lancry.

La compagnie *MELK PROD est subventionnée par le Ministère de la Culture/DRAC Ile-de-France au titre de l'aide aux compagnies chorégraphiques conventionnées.

Marco Berrettini http://www.marcoberrettini.org
Italian dancer and choreographer was born the 23.10.1963 in Aschaffenburg – Germany.
His interest in dancing began in 1978, when he won the German championship of Disco Dancing. Thereupon he decides to improve his technical skills. In the next following three years, he’ll take a multitude of classes and workshops in Jazz Dance, Modern Dance and classical ballet. Next to his regular school education, he works for the Ballroom Dance School Bier in Wiesbaden as a choreographer for Gala Nights. He directs 28 male and female amateur dancers. In order to improve the Shows, he watches for the first time in his life American Musical movies. With his dancers he studies and steals and adapts some dance scenes from West Side Story to Eastern Parade.
After his A levels, he starts a professional dance-formation; first at the London School of Contemporary Dance, then at the Folkwangschulen Essen, under the direction of Hans Züllig and Pina Bausch. In Essen and Wuppertal he develops his interest for the German Tanztheater and choreographs his first contemporary Solo: « the horny Santa Claus ». Since that that time, the Jooss/Laban/Leeder/Cecchetti technique means everything to him and in the next 10 years he’ll work under the influence of Pina Bausch’s Tanztheater. Especially concerning the “form” of how a show is build. There seems to be a great amount of freedom and possibilities. But concerning the “content”, Berrettini seems much more sceptical. Berrettini belongs to the ‘80s and the psychoanalytical work of most of the big contemporary companies does not appeal to him. One can feel a change of generation.
Straight after the diploma as a dancer he tries to build up his own company in Wiesbaden. One must say, without any success. Retrospectively it can be mentioned that at the beginning of the 80’s the independent dance companies weren’t really helped at all in Germany and the audience would be strictly used to frequent the state-theatres. Also, Berrettini’s work wasn’t the most communicative one. Next to his attempts to be recognised as a good, new, revolutionary choreographer, he studies European Ethnology, Cultural Anthropology and Theatre-Sciences at the Frankfurt University. For few years, Berrettini fights rather badly his way through dance. He could have had easily a job as a classical dancer or at the Wuppertaler Tanztheater, but he seriously believes that one day his career will work. In the meantime he pays his rent by playing Backgammon and giving amateur-classes.
In 1988 he signs a contract with a French dance company. He is fed up of Germany and hopes that France will offer him new opportunities. This time he’ll be luckier. Besides his work for the choreographer Georges Appaix, he creates his own pieces. The name of his Company was « Tanzplantation ».
In 1999 the Kampnagel Theatre in Hamburg produces his show « MULTI(S)ME ». Following the advice of the Kampnagel Director Res Bosshart, his Company, strong of 12 members, changes its name. *MELK PROD. Is born.
Since then Marco Berrettini, in collaboration with his Company, has produced more than 25 pieces and won some prizes like the ZKB PRIZE at the Theaterspektakel Festival in Zurich. For what it counts to win prizes in choreography.
In 2005 « No Paraderan » opened at the Theatre de la Ville in Paris. A huge scandal breaks out the Opening night. Few spectators even want to beat Berrettini up, waiting for him at the artist’s entrance. In less than 6 months the Company looses the support of the theatres *MELK PROD. used to work with. No money, no gigs anymore. For two years the Company will really have a hard time and 3 members of the crew will have to leave for financial reasons. But since 2007 the situation seems to become stable again. His last piece « *MELK PROD. goes to New Orleans » (for which the Company has really travelled to New Orleans in order to create the piece), reconquers the audience. His dancers, the youngest 26, the oldest 57 years old, improve through the years. Just like good red wine.
Berrettini’s work spreads widely. From the Performance in Museums to movie-productions with foreign film-directors; from Video-Installations at the Palais de Tokyo in Paris to festive dinner parties with famous people who don’t know him at all. At the present Berrettini works on the piece « iFeel ». A piece for 6 dancers who will try to translate Peter Sloterdijk’s new book: “Anger and Time” in theatrically exploitable material. The Opening night will be november 2009 in Paris. In February 2009 Marco Berrettini will shoot the movie « Tournée » under the direction of the actor/director Mathieu Amalric. But his best “creation” is and will be Stella, his 6 years old daughter with whom he lives in Geneva.

2009-05-06T01:36:00.003Z

i guess i realized just now i might not live forever
i might not exist ever after
i may not plant any seed of content
i may continue living outside and absent

i am one little thing
i do exist in the move
i am my own troop
i try not to cry, i sing

i know that I am a radar
i thought i was an obsolete parameter
i only hear what i want to
i only say what i'm told to

i get crossed
i do not get affected really
i do exist in distance
i am silly,silly sad silly

i am not who i think i am
i am not who you think i am
i will always shift
i will always take a lift

i will go soon
i do not see the moon
i do not see the moon
i can no longer sing this tune

Paris is Burning 2 of 11

2009-04-28T11:43:00.006Z

Paris is Burning 1 of 11

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Paris is Burning

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Paris is Burning (1990)
An unblinking behind the scenes story of fashion obsessed New Yorkers who created "voguing" and drag balls , and turned these raucous celebrations into a powerful expression of personal pride. The world within a world is instantly familiar, filled with ambitions, desires and yearnings that reflect America itself
is an intimate portrait of one urban community, a world in which the allure of high fashion, status and wealth becomes an affirmation of love, acceptance and joy.

Paris is Burning 4 of 11

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Paris is Burning 3 of 11

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TOUT COURT

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LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME | LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTAMOS EM CASA

2009-04-21T19:13:00.008Z

LIGHTS ON DOESN'T MEAN WE'RE HOME |
LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTAMOS EM CASA

A performance by/ Um espectáculo de: Monica Gillette & António Pedro Lopes

Executive Production/ Produção Executiva: Joana Martins

Dramaturgical Support/ Acompanhamento Dramatúrgico: Rita Natálio

Light Design/Desenho de Luz: Alexandre Coelho

Costumes/Figurinos: Guilherme Garrido

Photography/Fotografia: Rodrigo Valero Puertas, Olga Belchior

Artistic Residencies/ Residências Artísticas:RE-AL, Balleteatro, Teatro Micaelense, Forum Prisma-Mexico, Devir/CAPA, La Caldera
Apoio Financeiro/Financial Support: Fundação Calouste Gulbenkian

Co-produced by/Co- produzido por:Festival Escrita na Paisagem 2010 (Évora, Portugal), Teatro Micaelense (Ponta Delgada,

Azores)
Residency Support/Apoio à Residência: GDA- Direitos dos Artistas

Traveling support of/Apoio às Viagens: Instituto Camões

Many many thanks to/Muito muito obrigado a: Rita Almiro, Laura Lamas, Marta Vieira, Romana Moreira, Gianna & Conrad Smart, Ana Lúcia Cruz, National Theater of Mannheim, Tommy Noonan, Inês Mariana Moitas, João Fiadeiro, O Espaço do Tempo, Francisco Lopes, Diana Gillette, Primeiro Andar, Gustavo Ciríaco, Marine Budin, weyou, Carlos Melo e Rita Ferreira.

Previous Presentations/ Espectáculos Anteriores:

23 de Setembro de 2010 (Estreia), A Bruxa Teatro, Festival Escrita na Paisagem, Évora, Portugal
3 e 4 de Setembro de 2010 (Ante Estreia), La Caldera, Barcelona, Espanha

20 de Agosto de 2010 (ensaio aberto), CAPA- Centro de Artes Performativas do Algarve, Faro, Portugal
29 De Junho de 2009 (trabalho em progresso) CASA- Casa das Artes de San Augustin, Fórum Prisma, Oaxaca, Mexico
15 de Maio de 2009 (trabalho-em-progresso), Balleteatro, Porto, Portugal

2009-03-29T22:40:00.003Z

love looking
love hoping
love hopping
twist
swish
got the love
love thirsty
love hungry
lush
trash
love me
love me not
love trap
love cap
through
through
love powder
love hurts
love inside
eye am
eye love
love dove
love shove
love stove
cook
look
love
love
love

Kevin Blechdom - Barnwave@ZDB 7/3/2009 pt 2/2

2009-03-28T17:00:00.002-01:00

Kevin Blechdom - Barnwave@ZDB 7/3/2009 pt 1/2

2009-03-28T16:57:00.002-01:00

HOLDING ON TO NOTHING WITH EVERYTHING I'VE GOT

2009-03-26T22:12:00.006-01:00

I use autobiography as a source for narrative by following the principle that the more one reveals about oneself, the more one moves closer to an audience member and the more both are connected through principles of identification and recognition. I accept what already exists on the body of the performers, both to unveil one's history of the experience of the self and to extract the archetypes one's surface embodies. This approach presumes a research into reduction--taking the experience of the self to a stage where states, emotions, qualities of presence are mapped in a “created” context of fiction. This map produces an extraction, a dislocation of information and a movement into the realm of fiction, where it is updated and displaced from the individual history of the subjects. This dislocation operates as a revelation of subtext, nuance and subtlety, in a paradoxical gesture that not only unveils what lies "under" but also allows the transition of a reading of a personal event to what it signifies on a universal scale.I have been developing this research in a workshop since 2006. After 2007, I've been experimenting with different formats of presenting it. In Porto, after a week of work, we have arrived to this text and to this display.Who are these 11 people? Who are they when placed together? What is this? A soap opera, a film, a drama or a sociological case study? What do you see happening in this theater?

SKITe/Sweet & Tender Collaborations- Fragments of Experiences
Theatre de la Cité Internationale, Paris, France
March 3rd & 4th

A project by Antonio Pedro Lopes in collaboration with Mia Haugland Habib, Thami Hector Manekhela, Tommy Noonan, Rani Nair, Domenico Giustino, Monica Gillette, Montserrat Payró, Begum Erciyas, Marianne Baillot, Koen Vandendriessche and Chiara Gallerani.

Performed in French, 30 minutes

in PARIS next week!

2009-03-25T19:49:00.008-01:00

"Friends" fare 14 €, book on line
....
Fragmentsd'Expériences
SKITE/
Sweet&Tender
Collaborations

Ça quand même
Maguy Marin, Denis Mariotte
.........................................................

Friday 3rd / Saturday 4th 2009/18h*

From August 15 to September 20 2008, an experiment took place in Porto.
46 artists, from 20 countries,
a real time laboratory of exchanges, experimentation and creation.
SKITe project is an “ongoing Utopia”; Sweet & Tender Collaborations,
an international group of individual artists
which operates on the common desire to share approaches.
An experience, and therefore, "Fragments of Experiences" arising from it.
Individual or collective forms, performances or installations,
these various attempts presented at Théâtre de la Cité internationale
are the still active traces of gestures and impulses at work.
As a an echo to Fragments of Expériences,
duet Maguy Marin and Denis Mariotte, Ça quand même.

*Programmation : 18h Fragments I
• 21h Ça quand même
• 21h45 Fragments II

Théâtre de la Cité internationale
17 bd Jourdan
75014 Paris RER B : Cité universitaire
Réservations : 01 43 13 50 50

www.theatredelacite.com

19-Março-2009

2009-03-19T01:26:00.003-01:00

brazil you hide the things i love so dearly

2009-03-18T12:07:00.013-01:00

efrain almeida, moi-même, daniel pires, marianne baillot & some anonymous cariocas. cream.

define gossip. do you gossip?

2009-01-26T16:33:00.001-01:00

Gossip is idle talk or rumor, especially about the personal or private affairs of others. It forms one of the oldest and most common means of sharing (unproven) facts and views, but also has a reputation for the introduction of errors and other variations into the information thus transmitted. The term also carries implications that the news so transmitted (usually) has a personal or trivial nature, as opposed to normal conversation.

Over the last decade, gossip has come to the attention of academia as a fruitful avenue of study, particularly in light of its relationship to both overt and implicit power structures.[

Gossip can serve to:^[1]

normalise and reinforce moral boundaries in a speech-community
foster and build a sense of community with shared interests and information
build structures of social accountability
further mutual social grooming (like many other uses of language, only more so)
provide a mating tool that allows (for example) women to mutually identify socially desirable men and compare notes on which men are better than others.
be used as a form of passive aggression, as a tool to isolate and harm others
provide a peer-to-peer mechanism for disseminating information in organizations

Grizzly Man 2/11

2009-01-26T11:40:00.005-01:00

Grizzly Man 1/11

2009-01-26T11:40:00.004-01:00

Grizzly Man is a 2005 documentary film by German director Werner Herzog. It chronicles the life and death of bear enthusiast Timothy Treadwell. The film consists of Treadwell's own footage of his interactions with grizzly bears before he and his girlfriend were killed and partially ingested by a bear in 2003, and of interviews with people who knew or were involved with Treadwell. The footage he shot was later found, and the final film was co-produced by Discovery Docs, the Discovery Channel's theatrical documentary unit and Lions Gate Films. The film's soundtrack is by British singer songwriter and guitar virtuoso Richard Thompson.

Timothy Treadwell spent thirteen summers in Katmai National Park and Preserve, Alaska. Over time, he believed he was trusted by the bears, who would allow him to approach them and sometimes even touch them. Treadwell was repeatedly warned by park officials that his interaction with the bears was unsafe to both him and to the bears. "At best he's misguided." Deb Liggett, superintendent at Katmai and Lake Clark national parks, told the Anchorage Daily News in 2001. "At worst, he's dangerous. If Timothy models unsafe behavior, that ultimately puts bears and other visitors at risk." Treadwell filmed his exploits, and used the films to raise public awareness of the problems faced by bears in North America. In 2003, at the end of his thirteenth visit, he and his girlfriend Amie Huguenard were attacked, killed, and eaten by a bear.

For Grizzly Man, Herzog used sequences extracted from over 100 hours of video footage shot by Treadwell during the last five years of his life, and conducted interviews with Treadwell's family and friends, as well as bear and nature experts. Herzog also narrates, and offers his own interpretations of the events. In his narration, he depicts Treadwell as a disturbed man who may have had a death wish toward the end of his life, but also refuses to condemn him for this.

The film refers to an audio recording of the fatal attack, captured by Treadwell's video camera, and although Herzog is shown listening to it on earphones clearly disturbed, it is not played in the film. In fact, Herzog advises the owner of the tape, Jewel Palovak, an ex-girlfriend of Treadwell who held onto the tape but refused to ever listen to it, to destroy it immediately. There are many fake audio recordings of Tim and Amy's death on the internet and here on youtube, the original tape was destroyed in 2006, and no known copies exist. Any audio of this incident you may find on the internet is a fake. I have even come across fake video parodies of their death's, some people are just so disrespectful of the dead, I believe many of those people are either animal haters and/or left/right-wing nuts who couldn't accomplish half of what Tim did in two lifetimes.

Charlie Russell, who has studied bears for 42 years, lived with them and raised them for a decade in Kamchatka, and corresponded with Timothy Treadwell, wrote of Herzog:

"Herzog is a skillful filmmaker so a large percentage of those who watch the movie Grizzly Man, overlook Timothy's amazing way with animals even though to me this stands out very strongly. The fact that Timothy spent an incredible 35000 hours, spanning 13 years, living with the bears in Katmai National Park, without any previous mishap, escapes people completely. Even with his city-kid background, I found myself mesmerized by what he could do with animals. Most people now see him only the way Herzog skillfully wanted his audience to see him; as an idiot who continually crossed nature's line, what ever that means. Perhaps, in his mind, nature's line is something behind which bears and other nasty things reside who will inevitably kill you if you go there without a gun. He takes everything Timothy stood for and turned it 180°, the result which he then weaves into his own unsophisticated agenda."

Grizzly Man 5/11

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Grizzly Man 4/11

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Grizzly Man 3/11

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Grizzly Man 8/11

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Grizzly Man 7/11

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Grizzly Man 9/11

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Grizzly Man 10/11

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Grizzly Man 11/11

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2-JAN-2009

2009-01-02T19:17:00.002-01:00

Kris Kristofferson - The Pilgrim
fixação de longa duração

2-JANUARY-2009

2009-01-02T19:16:00.002-01:00

kris kristofferson "he's a pilgrim"

See him wasted on the sidewalk in his jacket and his jeans
Wearing yesterdays misfortune like a smile
Once he had a future full of money, love and dreams
Which he'd spend like they were going out of style

And he keeps right on a changin' for the better or the worse
Searchin' for a shrine he has never found
Never known' if believin' is a blessin' or a curse
Or if the going up was worth the comin' down

He's a poet, he's a picker, he's a prophet, he's a pusher
He's a pligrim and a preacher and a problem when he's stoned
He's a walking contradiction, plartly truth and partly fiction
Taking every wrong direction on his lonley way back home

He has tasted good and evil, in your bedrooms and your bars
And he's traded-in tomorrow for today
Running from his devils Lord, reachin' for the stars
Loosin' all his love along the way

But if this world keeps right on turnin' for the better or the worst
And all he ever gets is older and around
From the rockin' of the cradle to the rollin' of the hearse
The goin' up was worth the comin' down

He's a poet, he's a picker, he's a prophet, he's a pusher
He a pilgrim and a preacher and a problem when he's stoned
He's a walking contradiction, partly truth and partly fiction
Taking every wrong direction on his lonley way back home

There's been a lot of wrong directions on that lonley way back home.

2-JANUARY-2009

2009-01-02T19:08:00.004-01:00

2008 was

2008-12-29T18:50:00.009-01:00

2008 was

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ANTONIO PEDRO LOPES

DRIFTING/ EM DERIVA Lisboa- Procuram-se Participantes

Data Limite: 3 de Janeiro de 2012

Convocatória: Procuram-se participantes

33º CITEMOR- Festival de Montemor-o-Velho

AQUI:HERE:AGORA:NOW: CITEMOR

SP

dis(appearing) faces

António Pedro Lopes/ ONE LIFE STAND Maio-May 2011 Newsletter*

Drifting /Em Deriva Sao Paulo

Measure it In Inches in Vanves, March 2011- La Terrasse

MEASURE IT IN INCHES- PREMIERE

I FEEL, *MELK PROD, 16 FEBRUARY, TCI, PARIS

MEASURE IT IN INCHES- Baillot, Lopes, Natálio & Rième : estreia 1 de Março

A Danca Portuguesa vai a Franca, por Ines Nadais, Publico.

A dança contemporânea portuguesa vai a França

Luzes Ligadas no Teatro Micaelense, Revista Açores, Dezembro de 2010

Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa no Teatro Micaelense, Gillette & Lopes in AçoresVIP, RTP Açores

Luzes Ligadas _ Spot_ rtp açores

Luzes Ligadas Não Quer Dizer Que Estejamos Em Casa - O espectáculo, Teatro Micaelense

Double Trouble - Teatro Micaelense

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA + DUPLO SARILHO (WORKSHOP), no Teatro Micaelense, Ponta Delgada, 22-27 de Novembro 2010

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA- Estreia/Premiere

MIND-BODY-BRAIN LAB LISBOA/TELAVIVE de Abraham Hurtado, no CCB 5,6 NOVEMBRO

LUZES LIGADAS / LIGHTS ON com/with Rodrigo Valero Puertas, Mexico City, July 2009

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA- Video Teaser

Antonio Pedro Lopes & Monica Gillette - residents La Caldera 2010- Pre-Premiere 3-4 September

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA, em Faro. Ensaio Aberto.

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * Second Moment of Presentation* Bamboo Curtain Studio, Taipei, Taiwan* Saturday, 24 July at 17h*

Talking Cure com Rita Natálio *

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * Residency at Bamboo Curtain Studio, Taipei, Taiwan, July 2010

Gillette & Lopes no Festival Escrita na Paisagem, Setembro 2010

DRIFTING * Collaboration with Gustavo Ciríaco * First Moment of Presentation* Casa França Brasil, Rio de Janeiro* Saturday at 16h

Marco Berrettini. Les formes de la colère (Critique)

Marco Berrettini. Les formes de la colère

Mind-Body-Brain Lab Lisbon / Abraham Hurtado

I FEEL, Marco Berrettini/*MELK PROD (critic @ LE Courrier, Genève)

A l'ADC, l'odyssée de la colère prend son temps

TOUT COURT in Paris, 18th of February 2010 Théatre de la Cité Internationale

Mind-Body-Brain. Laboratory in Lisbon

AGENDA

Resumo :: Circular 2009

I WANT MORE FANS YOU WANT MORE STAGE/ Collaboration with Guilherme Garrido/Excerpts

LUZES LIGADAS NÃO QUER DIZER QUE ESTEJAMOS EM CASA|GILLETTE AND LOPES| ESTREIA SETEMBRO 2010| Um Vídeo-Poema

holding on to nothing with everything i've got - 2

holding on to nothing with everything i've got (in france 2007)

António Pedro Lopes- BIO- PT|EN|FR

holding on to nothing- workshop participant testim

Brevemente, num palco perto de si 04.09.2009 - Kathleen Gomes

Brevemente, num palco perto de si

Expresso, 22 de Agosto de 2009| Por Cláudia Galhós

GO SOLO!- António Pedro Lopes- 2007

holding on to nothing with everything i've got-200

".................................."António Pedro Lopes 2004

Entre tanto

Desculpa não ter dito nada antes...

Desculpa não ter dito nada antes e não dizer nada agora, é que faz muito tempo que não digo nada a ninguém, Teatro Oficina, Guimarães, Portugal, Set06

We are all gonna die Video by THE SING SONGS

Scout Niblett - We're All Gonna Die

LIFE ON EARTH

Jens Lekman - We're All Gonna Die

Dash Snow

Farrah Fawcett

Pina BAUSCH

"Split Sides" Merce Cunningham, Radiohead & Sigur Ró

Michael Jackson & janet jackson

aliens among their kindred

JL- Jornal de Letras, Artes e Ideias, Nº 1001, Novíssimos, "Antonio Pedro Lopes, Nómada" por Marta Pais Lopes

may 28| ccnmontpellier|wip showing

Paris is Burning 2 of 11

Paris is Burning 1 of 11

Paris is Burning

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